Nespresso 2023

300x600

Masthead (970 x Auto)

Orta banner (970 x Auto)

corny3 ocak23

corny2 ocak23

corny1 ocak23

Emirates Ocak23

lattego SG23

Lancome Ocak23

ykb ocak23

Chanel Ocak23/3 Sidebar

Chanel Ocak23/4 Masthead

Chanel Ocak23/3 Masthead

Chanel Ocak23/2 Masthead

Chanel Ocak23/2 Footer

Chanel Ocak23 Footer

Chanel Ocak23/2 Sidebar

Chanel Ocak23

wtw aralık22

Soneva Aralık22 - 2

Soneva Aralık22 - 1

BMW X1 Kasım22 - 2

BMW X1 Kasım22 -1 

BMW X1 Kasım22 - 1 

boş banner Zehra

boş banner

SKODA

HANSPACES

Gizlilik İlkeleri

Çerezler

Reklam ve İş Birliği

Hakkımızda

Künye

OGGUSTO Academy

Etkinlikler

İletişim

Sevgililer Günü by Philips

Seyahat by Emirates

Gastronomi by Yapı Kredi Crystal

Gentlemen

Moda

Güzellik by Lancôme

Well-Being

Mücevher

Sanat

Teknoloji

Spor

Business

Dekorasyon by Nespresso

Lifestyle by Corny

Wedding

Pets

Sürdürülebilir Yaşam

ŠKODA, Aklın Kalbi

We Are The Walkers

Şehir Rehberleri

Yurt İçi

Türkiye

İstanbul

Röportajlar

Otomobil

Saat

Erkek Bakımı

Erkek Modası

Trendler

Markalar &amp; Tasarımcılar

Stil

Makyaj

Saç

Cilt Bakımı

Dekorasyon Trendleri

Dekorasyon Fikirleri

Bitki ve Outdoor Yaşam

Renk Önerileri

Eser ve Müze İncelemeleri

Sanatçı

Sergi

Etkinlik

Film ve Dizi Önerileri

Çocuk

Düğün Hazırlığı

Gelinlik


<p><em>Ocak ayında doğan ünlü izlenimci ressam Édouard Manet’nin &#8220;Saint Lazare Garı&#8221; adlı tablosunu okuyarak onu anmaya ve hatırlamaya ne dersiniz?</em></p>



<p><strong>&#8220;Saint Lazare Garı&#8221; </strong>ya da kısaca <strong>&#8220;Demiryolu&#8221;</strong> olarak isimlendirilen tablo, <strong>Édouard Manet</strong> tarafından 1873 yılında yapılmıştır. Tablo Washington’da Ulusal Sanatlar Müzesi’nde sergilenmektedir.&nbsp;</p>



<p>Tabloda görülen manzara 19. yüzyıl Paris şehrine aittir.&nbsp;İki tane figürün yer aldığı eserde bir kadın, şık giyimli bir kız çocuğu, parmaklıklar arasından resmin büyük bir kısmını kaplayan yoğun duman ve kenardan sıyrılarak ortaya çıkan panjurlu ev manzarası yer alıyor.&nbsp;</p>



<p>Şapkalı, elinde köpek ve kitap tutan kadın, ressamın diğer iki ünlü tablosunda da modellik yapan Victorine Meurant’tır.&nbsp;Hatta bu tabloda onun Manet için son kez modellik yaptığı söylenir. Diğer tabloları olan &#8220;Kırda Kahvaltı&#8221; ve &#8220;Olympia&#8221; isimli çalışmalarda Manet, Victorine Meurant’ı&nbsp;çıplak resmetmiştir. Burada ise Victorine giyimli, donuk ve biraz da üzgün, izleyiciye bakmaktadır. Manet ile olan ilişkilerinin bir ifadesi olarak yorumlanan tablo aynı zamanda geleneksel Manet tablolarından farklıdır. Çünkü ressam genellikle figürlerin arkasına doğal manzaralar yerleştirmeyi tercih ederken burada bir tren garını tercih etmiştir.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="418" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/edouard-manet.webp" alt="" class="wp-image-109550"/><figcaption class="wp-element-caption">Édouard Manet</figcaption></figure></div>


<p>Tren garını parmaklıkların arkasından izleyen küçük kızın bir vedayı, ayrılığı sembolize ettiğini söylemek mümkündür. Yine Victorine Meurant’nın kucağındaki köpek sadakati temsil eder. Sanat tarihinde&nbsp;kitap ile betimlenen kadın figürleri, entelektüelliğe ve okur-yazarlığa dair bir göndermedir. Yani modellik yapmasına rağmen Victorine, zanaatkâr bir ailede yetişmiş bir ressamdır. Babası bronz ustası, annesi ise kadın şapka tasarımları yapar. Hatta resimdeki şapkanın Victorine’nin annesinin bir tasarımı olabileceği de tahmin edilir.&nbsp;</p>



<p>Ressam olan Victorine’nin çalışmalarının Paris Salonu&#8217;nda&nbsp;1876 yılında yapılan sergide sergilendiği, aynı sergide de&nbsp;Manet’nin eserlerinin jüri tarafından elendiği bilinir.&nbsp;</p>



<p>Saint Lazare Garı görüntüsü yine Paris’in modernleşmesini göstermesi adına da bir eleştiridir. Arkada dumanın görüntüsüyle kaybolan eski ev görüntüleri fark edilir. Manet bu eserinde&nbsp;parmaklıkların arkasından resmi betimleyerek bir bakıma sanayi devrimiyle birlikte gelen tutsaklığa atıfta bulunur.</p>


medium

thumbnail

medium_large

300x300

slider

big_card

card

interest

edouard-manet-saint-lazare-gari-tablosu

Tablo Okumaları: Édouard Manet’nin “Saint-Lazare Garı” Adlı Eseri


<p><em>Goba Art &amp; Design Galeri’de geçtiğimiz hafta çok farklı bir sergi gezdik. Çizgi roman ve sinemanın sanatsal buluşması olarak ifade edilen &#8220;Kinematograph&#8221; isimli sergiden çok şey de öğrenerek ayrıldık.</em></p>



<p>Sinema tutkusunu mimarlık mesleğiyle harmanlayan Ömer Atakan’ın ilk kişisel sergisi olan &#8220;Kinemotograph&#8221; aynı zamanda onun çok yönlü kişiliğinin de bir göstergesi. Mimarlık eğitiminin ardından California Üniversitesi Los Angeles’da Sinema ve Dijital Teknolojiler üzerine eğitimini bitiren sanatçı sinemayı, çizgi romanı, yazmayı, geçmişi araştırmayı ve koleksiyon yapmayı çok seviyor. Zaten bu sergi de tüm bu tutkuların ürünü olarak ortaya çıkmış. </p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="517" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi-1-1.jpg" alt="" class="wp-image-109711"/><figcaption class="wp-element-caption">Feride Çelik ve Ömer Atakan</figcaption></figure></div>


<p>Serginin ilham kaynağı ise Ömer Atakan’ın &#8220;Kelebek Camı&#8221; isimli kitabı. Atakan, bu kitapta 80 ve 90’lı yılların popüler kültür anılarını yazmış. Bu anılar daha sonra sanatçının mükemmel çizgileriyle buluşarak muhteşem bir sanat sergisine dönüşmüş.</p>



<p>Sergi ismini sinemanın ilk bulunduğu yıllar olan 1900’lü yılların başında Fransız Lumiere kardeşlerin ve daha sonra Thomas Edison’ın bulduğu ilk film aleti olan &#8220;Kinematograph&#8221;dan&nbsp;alıyor. Aynı zamanda &#8220;graph&#8221; eki de grafik-çizim anlamına geldiğinden sinema ve çizimlerin birlikteliğini temsil ediyor.&nbsp;</p>



<div class="is-layout-flex wp-container-3 wp-block-columns">
<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="488" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi-2.jpg" alt="" class="wp-image-109717"/></figure>
</div>



<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="488" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi-3.jpg" alt="" class="wp-image-109718"/></figure>
</div>
</div>



<p>Sergideki eserler sanatçının küçüklüğünden beri izlemiş olduğu filmlerin en beğendiği sahnelerinden ilham alıyor. Bu sahneler yine sanatçının çocukluğundan gelen çizgi roman tutkusuyla birleşerek yapıtlara dönüşüyor. Gösterimde 15 yönetmen ve 15 filmden esinlenerek üretilmiş 15 eser bulunuyor. Ömer Atakan, Tarantino, Martin Scorsese, Ridley Scott ve James Cameron gibi pek çok yönetmenin kült filmlerinden ironik sahneleri filmdeki diyaloglarla harmanlayarak ortaya çıkarıyor. Filmdeki ünlü karakterler ve ünlü sahneler sanatçının kalemiyle yorumlanıyor. 15 çizim 30 x 42 cm, 200 gr Schoeller kağıt üzerine çini mürekkebi rapido, marker, ekolin ve toz pastel tekniği uygulanarak üretilmiş. Sergide ayrıca 50&#215;70 boyutlarında dört adet resim ise yine Atakan’ın özel ilgi alanına giren yönetmenlerden ve filmlerden seçilen ayrı bir seçkiyi oluşturuyor. Bu dörtlüde yer alanlar Steve Mc Quinn, James Bond, Bruce Lee ve Michael Mann’in ‘’Heat’’ filmi. Bu ‘’Heat’’ filminde Al Pacino ve Robert de Niro karşılıklı olarak ilk defa bir araya gelir. Aslında her iki oyuncu da &#8216;Godfather&#8217; isimli filmde birlikte oynamışlar ama hiçbir sahnede karşılıklı gelmemişlerdir. Ömer Atakan da bu iki ünlü oyuncunun ilk kez karşılaşmış olduğu sahneyi ve diyaloğu betimlemiş. </p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="488" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi-4.jpg" alt="" class="wp-image-109720"/></figure></div>


<p>Ömer Atakan ile sergiyi keyifle gezdikten sonra onun diğer tutkuları üzerine de derinlemesine bir sohbet gerçekleştirdik. Atakan’ın sinema merakıyla ortaya çıkan bir de koleksiyonerlik tutkusu var. Sinema koleksiyonerliğine filmlerde kullanılan objeler ile başlıyor. İlk koleksiyon parçası Matrix filmindeki Morpheus karakterinin elindeki silah. Sonrasında eklenen parçalar ise 1/3 ölçeğinde film heykelleri, örneğin Arnold Schwarzenegger’in ‘’Terminator’’ filmindeki heykelleri, ‘’Lord of the Rings’’ filmindeki Aragorn heykeli. Atakan’ın koleksiyonunun diğer parçaları ise yayınlanmış çizgi roman illüstrasyonları. Zagor, Kızıl Maske gibi çizgi romanların kırk sene evvel çizilmiş olan kapaklarının orijinalleri de koleksiyonun parçalarından. Koleksiyonun önemli bir kısmı ise James Bond filminin parçalarından oluşuyor. Yaklaşık 700-800 adet parça var. Hatıralıklar, hediyeler, promosyon ürünler ve eski kitaplar gibi. Ian Fleming’in yazdığı on dört parçalık 1950’li yıllarda çıkan James Bond kitaplarının ilk baskıları da bu seçkinin içerisinde yer alıyor. Daha birçok filme ait parçanın yer aldığı koleksiyonunu Atakan bilgilendirme plakalarıyla adeta bir müzede yer alırcasına sergiliyor. </p>



<div class="is-layout-flex wp-container-6 wp-block-columns">
<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="488" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi-5.jpg" alt="" class="wp-image-109721"/></figure>
</div>



<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="488" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2023/01/omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi-6.jpg" alt="" class="wp-image-109723"/></figure>
</div>
</div>



<p>Yazımın başında da belirttiğim gibi Ömer Atakan’ın kişisel sergisi bize çok farklı bir deneyim yaşattı. Sergiyi gezerken ve kendisinin keyifli anlatımını dinlerken sanat akımlarına, popüler kültüre, geçmişe, toplumsal birikimlerimize bir yolculuk yaptık. Her bir film karesindeki semboller, karakterler ve diyaloglarla izlediğimiz kült filmleri tekrar izlemek, izlemediklerimiz için ise içimizden bir daha büyük bir izleme isteği duyduk. Sergiden çıkarken de zihnimizde şöyle bir cümle belirdi: <em>‘’Sanatın her alanından beslenmemek ve ilham almamak mümkün değil.’’</em></p>



<p>Sinemayı ve sanatı seven herkes lütfen bu sergiyi kaçırmasın. Çünkü sergi, 7 Ocak Cumartesi gününe kadar uzatıldı. Goba Art &amp; Design&nbsp;Galeri’de sergiyi ziyaret edebilirsiniz.</p>


omer-atakan-ile-farkli-bir-sergi-deneyimi

Ömer Atakan ile Farklı Bir Sergi Deneyimi


<p><em>Doğuş Holding’in Sanata Bi Yer Projesi&#8217;nin sanatçılarından İrem Karagöz Terzi ile keyifli bir röportaj gerçekleştirdik.</em></p>



<p>Doğuş Holding’in Sanata Bi Yer Projesi&#8217;nin sanatçılarından İrem Karagöz Terzi ile birlikte gerçekleştirdiği sergi, sanat ve teknolojinin buluştuğu harika bir proje. Proje kapsamında genç sanatçı İrem Karagöz Terzi&#8217;nin &#8220;<a href="https://www.sanatabiyer.com/is-detay/22563/loop">Loop</a>&#8220;, &#8220;<a href="https://www.sanatabiyer.com/is-detay/22799/olasilik-algoritmasi">Olasılık Algoritmaları</a>&#8221; ve &#8220;<a href="https://www.sanatabiyer.com/is-detay/22798/spacex">Space X</a>&#8221; adlı eserleri Doğuş Otomotiv Plus Galataport Deneyim Merkezi&#8217;nde sergileniyor. Sergi 1 Kasım&#8217;da başlamış olmasına rağmen yoğun ilgi ve beğeni üzerine 25 Aralık&#8217;a kadar uzatıldı. Süreç boyunca, Lamborghini, Audi ve Porsche arabalarıyla birlikte İrem Karagöz Terzi’nin dijital çalışmaları sergilendi. Bu güzel iş birliği ve dijital sanatla ilgili olarak genç sanatçıyla keyifli bir sohbet gerçekleştirdim.</p>



<h4><strong>Doğuş Otomotiv ile olan birliktelik nasıl gerçekleşti?</strong></h4>



<p>Han Spaces’de Sanata Bi Yer sanatçılarından oluşan &#8220;Doğa Nerede?&#8221; isimli sergiyle bu birliktelik başladı. Sergi açılışında Doğuş Holding’ten Eda Hanım, Sanata Bi Yer sayfasında çok fazla dijital çalışmanın olmadığından ve Doğuş Otomotiv Plus Galataport Deneyim Merkezi için bu tarz çalışmaları istediklerinden bahsetmişti. Ben de kendimden ve video çalışmalarımdan bahsedince bu eserleri Sanata Bi Yer sayfasına da yüklememi rica etti. Çalışmalarım da beğenildikten sonra mekanı gelip, görerek buraya özel eserler üretmeye başladım. Daha önce burada Sanata Bi Yer sanatçılarının eserleri slayt olarak dönüyordu. Benim özel üretimlerimle ve yine Doğuş’tan Tuvana’nın desteği ve önerileriyle üretmiş olduğum çalışmalardan bir dosya hazırladım. Dosyadan seçilen işler de burada sergilenmeye başladı.</p>



<h4><strong>Dijital eserlerinde klasik yöntemdeki çalışmalarını video esere mi dönüştürdün yoksa yeni baştan dijital eserler mi ürettin? Bu konuda halen tartışmalar sürüyor ve hatta platformlar iki boyutlu eserlerin doğrudan dijitale dönüştürülmesini kabul etmiyorlar. Bu konuda görüşlerini öğrenebilir miyiz?</strong></h4>



<p>İki boyutlu tuval üzerine yapılan bir çalışma olduğu gibi NFT platformlarına yüklenmesini ben de doğru bulmuyorum. Çünkü tuvallerdeki çalışma plastik malzemelerle üretilmiş bir sanat eseri. Bazı sanatçılar eserlerinin fotoğraflarını çekip yüklüyorlar ve dijital iş olarak NFT’ye de dönüştürüyorlar. Bunu ben de doğru bulmuyorum. Burada sergilenen çalışmalarım tamamen sıfırdan üretilen eserler, çıkış noktası aynı ancak teknikleri farklı. Tuval üzerine yaptığım işler akrilik çalışmalarım, buradaki eserler ise kodlama bazlı yapay zeka programlarıyla desteklediğim video işler. Yani her iki yöntemdeki çalışmalarım tamamen birbirinden bağımsız olarak üretildi.</p>



<h4><strong>Yapay zekânın işin içine girmesiyle sanat eserinin değerini nasıl yorumlarsın? Değer artar mı azalır mı?</strong></h4>



<p>Bu yöntemi kullanan bir sanatçı olarak değerin azaldığını söyleyebilirim. Çünkü üretim süreci çok kolaylaşıyor. Sanat tarihine baktığımız zaman örneğin Rönesans döneminde sanatçılar yıllarca, aylarca uğraştığı bir çalışmayı yapay zekaya komut vererek ve kodlayarak yarım saat ya da bir saat gibi kısa sürede üretmek mümkün. Yapay zekâ sayesinde çabuk tüketen ve sıkılan modern toplumumuz için aslında malzeme veriyor ve çeşitlilik artıyor. </p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/12/feride-celik-irem-karagoz-terzi-roportaj-1.jpg" alt="" class="wp-image-107634"/></figure>



<h4><strong>Doğuş Otomotiv’de şu anda sergilenen Loop, Olasılık Algoritmaları ve Space X çalışmalarınla iki boyutlu çalışmalarını karşılaştırırsan eğer neler söyleyebilirsin?</strong></h4>



<p>İki boyutlu eserlerim beğenilmişti ama onlar bana yeterli gelmemişti. Daha fazla hareket ve fütüristik olayları sevdiğim için video çalışmalarına yöneldim. Bunlar günümüzde &#8220;Generative Art&#8221; yani yeni dönem sanat olarak ifade ediliyor. Modelleme üzerinden değil de kodlama bazlı çalışmalar. Bunları üretmekten daha çok keyif alıyorum.&nbsp;Tuval çalışmalarım da beğeniliyor ama buradaki dijital çalışmalarımı gören koleksiyonerlerim eserlerimi daha fazla benimsediler ve sahip çıktılar.</p>



<h4><strong>Önümüzdeki dönem için ne düşünüyorsunuz? Klasik yöntemde mi devam etmek yoksa sadece dijitale mi yönelmek?</strong></h4>



<p>İkisini de birlikte ürettiğim ve sergileyebildiğim bir kişisel sergi aslında düşünüyorum. Hem tuval işlerimin sergilendiği hem de video mapping yapabileceğim bir mekan olsun istiyorum.&nbsp;Her iki yöntem de bana bir şeyler öğretiyor, tuval işlerimle sabretmeyi ve disiplini öğrendim.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="487" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/12/feride-celik-irem-karagoz-terzi-roportaj-2.jpg" alt="" class="wp-image-107638"/></figure></div>


<h4><strong>Doğuş Otomotiv ile dijital sanatın seninle yaptığı iş birliği gibi Türkiye’den ya da dünyadan başka bir örnek verebilir misin?</strong></h4>



<p>Galataport’taki Beymen mağazasındaki deneyim merkezinde bir ebru sanatçısının video işlerini görmüştüm. Ebru sanatıyla video art’ı birleştirilmiş, ebrudaki hareketli formlar görüntüye yansıtılmış ve kumaş desenleriyle beraber iki çalışma çok güzel durmuştu.</p>



<h4><strong>Geleneksel sanat sana ilham veriyor mu? Bu alandan beslenerek ürettiğin çalışmaların var mı?</strong></h4>



<p>Ankara’nın sembolü olan Ankara keçisinden ilham aldım. Bununla ilgili olarak bir seri ürettim. Bu figürün geleceğe duyurulması için yapılan bir sergide eserlerimi sergiledim. Bunun dışında halı motifleri, geometrik formlar, Anadolu insanının halılara işlediği motifleri kullanmak isterim. Aslında ilk yaptığım çalışmalarda halı motiflerinden ilham almıştım, sonrasında üretimim başka şekilde evrildi. </p>



<h4><strong>Bu sefer soru sorma sırasını sana vermek istiyorum. Senin bana sormak istediğin ya da merak ettiğin bir konu var mı?</strong> </h4>



<p><strong>İrem Karagöz Terzi: </strong>Evet sormak isterim. Siz hem benim çalışmalarım hem de dijital sanat hakkında neler düşünüyorsunuz?</p>



<p><strong>Feride Çelik:</strong> Dijital sanat benim için de yeni bir konu ama kabullenmek, anlamak ve geleceğe yatırım için değerlendirmemiz gereken bir sanat türü. Cep telefonunu kullanmak zorunluluğunda olmamız gibi. Öte yandan klasik sanatın yok olacağını düşünmüyorum, hatta daha da değerleneceği kanısındayım.</p>



<p>Seninle tanışmadan evvel ilk barkod temalı çalışmanı görmüş ve çok etkilenmiştim. Klasik sanat yöntemiyle modern bir fikrin buluşmasını gerçekleştirmişsin. Emeğine sağlık, tebrik ediyorum. Şu anda yaptığın üretimler de gösteriyor ki kısa sürede gayet hızlı bir ilerleme kaydettin. Seni takip etmeye devam edeceğim.</p>


feride-celik-irem-karagoz-terzi-roportaj

Dijital Sanat ve Otomotiv Buluşması


<p><em>Kış mevsimine yaklaştığımız, belki de özlediğimiz karlı günleri ünlü ressamların tablolarından bakarak yorumlayalım.</em></p>



<p>Ünlü ressamlar, karlı manzaraları hem bembeyaz doğal güzelliğiyle hem de toplumlardaki kültürlere göre farklı dönemlerde değişik bakış açılarıyla ele almışlardır. Biz de iz bırakan ünlü ressamların kış aylarının ruhunu yansıtan tablolarını bir araya getirdik.</p>



<h2><strong>Pieter Bruegel, &#8220;The Hunters in the Snow&#8221;; 1565</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full is-resized"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/pieter-bruegel-hunters-in-the-snow.jpg" alt="" class="wp-image-93772" width="731" height="521"/><figcaption class="wp-element-caption">Pieter Bruegel, &#8220;The Hunters in the Snow&#8221;; 1565</figcaption></figure>



<p>Sanat tarihinde kar manzaralı tablo deyince herhalde ilk akla gelen eser, ünlü ressam Peter Bruegel’e aittir. Toplumun günlük yaşamından bir kesiti yaşarcasına yapıtlarına yansıtmayı seven Bruegel burada da bir kış gününü betimler.</p>



<p>Belçikalı ressam resimlerinde genellikle toplumun alt ve orta sınıflarından insanların yaşamını ele alır. Bu eserde de karlı bir gündeki av sahnesi tasvir edilir. Kış gününde dönemin faaliyetleri olan&nbsp;avlanma, odun toplama ve buz patenini konu alarak işler. Mevsim gereği yapılması gerekli olan aktivitelerin yanı sıra&nbsp; eğlence amaçlı etkinlikler&nbsp;de aynı karenin içerisine sığdırılır. Kısacası&nbsp;kış günleri ressam Bruegel tarafından iki farklı yönüyle ele alınır: Eğlence ve zorunluluk.</p>



<h2><strong>Gustave Caillebotte, &#8220;Rooftops in the Snow&#8221;; 1878</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="578" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/gustave-caillebotte-rooftops-in-the-snow.jpg" alt="" class="wp-image-93775"/><figcaption class="wp-element-caption">Gustave Caillebotte, &#8220;Rooftops in the Snow&#8221;; 1878</figcaption></figure>



<p>Kış mevsiminin en temel konusu olan &#8220;Karlar altındaki şehir manzaraları&#8221; da&nbsp;ressamlar tarafından&nbsp;sıklıkla tercih edilmiş olan bir temadır. Gustave Caillebotte isimli Fransız izlenimci ressam, bu eserinde yukarı bir konumdan bakarak, daha doğrusu izleyerek Paris’in bambaşka bir görünümünü betimler.</p>



<p>Bu tablodaki Paris, Baron Haussmann tarafından 1853-1870 yılları arasında yeniden inşa edilen Paris’tir. Yani sanayi devrimi sonrasında kurulan şehir. Bu yüzden de ressam her ne kadar şehrin evlerinin çatıları üzerindeki kar manzarasını gösterse de resmin gerisindeki bacalardan çıkan dumanların grisi bizlere şehirdeki sanayileşmenin etkisini hissettirir.</p>



<h2><strong>Claude Monet, &#8220;The Magpie&#8221;; 1868-1869</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="494" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/the-magpie-monet-1.jpg" alt="" class="wp-image-93782"/><figcaption class="wp-element-caption">Claude Monet, &#8220;The Magpie&#8221;; 1868-1869</figcaption></figure>



<p>İzlenimcilik akımının isim babası, doğa manzaralarıyla herkesi büyüleyen ünlü ressam <a href="https://www.oggusto.com/sanat/sanatci/claude-monet-hayati-eserleri-hakkinda-az-bilinenleri">Claude Monet</a> de karlı manzaralar serisi üretir.</p>



<p>Monet’nin kış temalı tablolarında figürlere pek rastlanmasa da karlı, soğuk ama güneşli günlerin ışığı olağanüstü hissedilir. Doğadaki her değişimi şövalesini dış mekâna kurarak ve saatlerce izleyerek tuvaline aktaran ressam ne soğuktan&nbsp;ne de rüzgardan etkilenmiştir.</p>



<h2><strong>Vida Gábor, &#8220;Der Preziosenverkäufer Auf Winterlicher Strasse&#8221;</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="649" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/vida-gabor.jpg" alt="" class="wp-image-93823"/></figure>



<p>1900’lü yıllara gelindiğinde kış mevsimi Avrupa’nın başka ülkelerindeki ressamlar tarafından da betimlenir. Ünlü Macar asıllı ressam Vida Gábor’un yapıtında Bruegel’in etkisi hissedilse de değişik bir bakış açısıyla kar günlerini izleyiciye aktarmış olduğu aşikardır.</p>



<p>Kendine özgü bir üslup yaratan Gábor, eserlerinde kendi yeteneklerine de yer verir. Sanatçı, sanatsal yeteneğinin yanı sıra sahip olduğu çoklu yetenekleri çabalayarak kendi kendine elde etmiştir. Örneğin; bir kuyumcu, antika saatlerin restoratörü ve diğer şeylerin yanı sıra kendi teleskoplarını yapan hevesli bir gökbilimcidir.</p>



<p>Gábor’un resminde kullandığı teknik, &#8220;scumbling&#8221; olarak adlandırılır. Yani sanatçı, çok net ve yarı saydam bir görüntü elde edilmesini sağlayan bu tekniği sayısız yarı saydam katmanları üst üste uygulayarak elde eder. Sırlama, renk pigmentini yağ, terebentin ve vernik karışımı ile karıştırır ve renk bu ortamda yüzer, şeffaflaşır.</p>



<p>Gábor’un kış manzaralı resmindeki karakterler çok gerçekçi görünse de ressamın fantezi dünyasıyla gerçeği birleştiği de fark edilir. Geceyi sarı bir ışığın etkisiyle betimlemeyi seven ressam, bu tabloda da görüldüğü gibi kendi hobisi olan antika saat restorasyonu yapan kişiyi karlı bir şehir meydanına yerleştirmiştir. Bu nedenle gece resim yapmayı tercih eden Vida Gábor’un çalışmalarında zaman genellikle gece, ışık kaynağı da çoğunlukla lamba ya da mumdur. Sanatçı soğuk günlerde adeta bizi ısıtan ateşin tonlarını kullanmayı tercih etmiştir.</p>



<p>Modern dünyanın etkisiyle ve de şehirleşmenin getirdiği sıkışmışlıktan kurtulmak isteyen günümüz sanatçıları tuvallere sığamayarak arazilere çıkmayı tercih eder.</p>



<h2><strong>Andy Goldsworthy, &#8220;Ice Star&#8221;; 1987</strong></h2>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="517" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/andy-goldsworthy-ice-star.jpg" alt="" class="wp-image-93801"/><figcaption class="wp-element-caption">Andy Goldsworthy, &#8220;Ice Star&#8221;; 1987</figcaption></figure></div>


<p>İngiliz arazi sanatçısı Andy Goldsworthy, 1980’li yıllardan itibaren doğada yapmış olduğu yerleştirmelere kar ve buzu da ilave eder. Buzdan yapmış olduğu heykellerin erimesi de onun sanatının bir parçasıdır. Sanatçı doğadaki doğal sürece sanatsal çalışmalarını da adapte eder.</p>



<h2>Simon Beck, &#8220;Marlou57&#8221;; 2022</h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/simon-beck-marlou57.jpg" alt="" class="wp-image-93816"/><figcaption class="wp-element-caption">Simon Beck, &#8220;Marlou57&#8221;; 2022</figcaption></figure>



<p>Diğer İngiliz ünlü sanatçı Simon Beck’in kış mevsiminde&nbsp;karların üzerine yapmış olduğu büyük ebatlı desenlerini hem arazi sanatı hem de performans sanatı olarak tanımlamak mümkündür. Çünkü sanatçı karlı arazilerin üzerine yürüyerek bıraktığı ayak izleriyle ya da bir takım aletleri kullanarak desenler çizer.</p>



<p>Zamansız bir konu olan kış mevsimi geçmişte de bugün de ünlü sanatçılara malzeme olmuş ve olmaya devam edecek gibi gözüküyor.</p>


unlu-ressamlarin-kis-mevsiminden-ilham-aldigi-tablolari

Ünlü Ressamların Kış Mevsiminden İlham Aldığı Tabloları


<p><em>Sanatçı ve sanatseverlerin malzeme, konu, teknik ve mekân açısından tercihleri, sanat piyasasında görülen değişikliklere göre şekillenen 2023 sanat trendlerini keşfedin.</em></p>



<p>Moda ve tasarım dünyası gibi sanatta da artık trendlerin olduğu doğru. İstanbul Contemporary Fuarı, Venedik ve İstanbul Bienali, dünyadan sanat, müzayede ve fuar haberleri ise bu trendleri oluşturan referanslar oluyor. Sanatçı ve sanatseverlerin malzeme, konu, teknik ve mekân açısından tercihleri, sanat piyasasında görülen değişikliklere göre şekillenen <strong>2023 sanat trendlerini</strong> keşfedin.</p>



<h2><strong><strong>Emek Yoğun Eserler</strong></strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-1.jpg" alt="" class="wp-image-89275"/></figure>



<p>Gerek Venedik Bienali’nde gerekse çağdaş sanat fuarlarında emeğin yoğun olduğu çalışmaların artış gösterdiği fark ediliyor. 2023 yılında da bu tarz geleneksel örme tekniğiyle dokunan eserler, kağıt kesme-katlama tekniğiyle üretilen çalışmalar ve porselen hamurundan tek tek el ile üretilen rölyef heykeller ön plana çıkacak.</p>



<h2><strong><strong>Beş Duyuya Hitap Eden Eserler</strong></strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-2.jpg" alt="" class="wp-image-89276"/></figure>



<p>Sanatsal çalışmalar artık günümüzde yalnızca gözümüzü doyurmakla kalmıyor, sesle, kokuyla, dokunmayla hatta tatla da diğer duyularımızı da beslemeye devam ediyor. Bu durum daha da artarak bir eserin önünde geçireceğimiz süre diğer beş duyumuzun etkilenmesiyle doğru orantılı olarak artış gösterecek. Böylece dijital çalışmaların sunduğu görsel ve sesli çalışmalar sanat izleyicisini daha fazla etkileyecek. Bir de tüm bunlara ilave olarak mekâna yapılan koku giydirmeleri ve tat duyusuyla kurulan bağlantı izleyiciyi yapıta daha da yaklaştıracak.</p>



<p>Dijital ve video çalışmalarla birlikte artış gösteren yapay zekâanın üretimleri de 2023 trendlerden. Oldukça tartışma yaratan bu konu tüm insanlığı halen meşgul ediyor. Yapay zekânın ürettiği eser gerçek bir sanat eseri olarak kabul edilebilir mi? Yapay zekâ tek başına maalesef henüz bir sanat eseri becerisine sahip değil. Yani robota emirleri veren ve kodlama sistemini yazan insan olduğuna göre yapay zekânın ortaya çıkardığı esere gerçek bir sanat eseri demek mümkündür.</p>



<h2><strong>Hiper Gerçekçi Heykeller</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="584" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-3.jpg" alt="" class="wp-image-89282"/><figcaption class="wp-element-caption"><a href="https://www.instagram.com/p/CFam9YUnErO/">Jamie Salmon</a></figcaption></figure>



<p>Teknolojinin ilerlemesiyle birlikte gerçek bir canlı görünümünde insan, hayvan ve yaratık gibi heykellere&nbsp; artık her yerde rastlayacağız. Balmumu malzemesiyle yapılan bu heykellerde gerçek insan saçları ve kılları kullanılıyor. Yüzdeki ifadeler, heykellerin üzerlerindeki kıyafetler sanat izleyicisini esere tekrar tekrar baktırıyor.</p>



<h2><strong>Sürrealizm</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-4.jpg" alt="" class="wp-image-89284"/></figure>



<p>Gerçek üstücülük akımı olarak sanat tarihinde ortaya çıkmış sürrealizmde; aklın, geleneklerin, alışkanlıkların denetiminden uzak, bilinçaltı gerçeklerini yansıtan yani bilinen gerçekle bağını kesip kendince bir gerçek yaratmak amacını güden bir üretim söz konusudur. Gerek dünyada pandemiyle görülen değişim ve dönüşüm, gerekse toplumların geçirmiş oldukları politik sıkıntılar sanatçılara gerçek dışı ortamları hayal etmesini sağlayacak.</p>



<h2><strong>Doğa, Göç, İklim Krizi ve Pandemi</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="486" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-5.jpg" alt="" class="wp-image-89286"/></figure>



<p>Doğa, 19. yüzyıldan itibaren romantizm akımıyla birlikte felsefi bir bakış açısıyla sanat tarihindeki yerini korumuştur. Aynı yüzyılda insanoğlu doğayla birlikte değişmeye ve gelişmeye başlamıştır. Şehirleşmenin etkisiyle ise sanatçılar kırlara giderek tekrar resim yapmaya başlamıştır. 2023 yılında da doğaya olan bu kaçış devam edecek. Sanat dünyası, şehrin stresli ortamından uzaklaşmak ve huzurlu bir ortam arayışı bulmak için çaba gösterecek. Doğayla bütünleşme duygusu, geçerliliğini korumaya devam edecek.</p>



<p>Sanat konuları arasına hızla eklemlenen diğer iki konu ise göç ve iklim krizi. Ülkelerde yaşanan siyasi değişimler toplumları bir ülkeden başka ülkelere göçe zorlar. Dünyanın giderek ısınma süreciyle birlikte tüketim artmakta ve doğal kaynaklar hızla tükenmektedir. Sanatçılar tüm bu sorunları ise içselleştirerek sanat aracılığıyla insanlığa yeniden mesaj gönderecekler.</p>



<h2><strong>Sanat Mekânlarında Protesto Gösterileri</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="548" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-6.jpg" alt="" class="wp-image-89290"/></figure>



<p>Sanat eserlerine zarar verme gösterileri ile iklim krizi gibi farklı konulara dikkat çekilmek isteniyor. Yakın&nbsp; bir zaman önce İngiltere’nin başkenti Londra’da meydana gelen olayda, iklim protestocuları Ulusal Galeri’yi ziyaret ederek Van Gogh’un 1888 tarihli&nbsp; &#8220;Ayçiçekleri&#8221; tablosunu hedef alarak eserin üzerine çorba fırlattı. Seslerini duyurmak isteyen protestocular, bundan sonra da sanat ve müzeleri aracı olarak kullanacaklar gibi gözüküyor.</p>



<h2><strong>Sanat ve Farklı Disiplinler</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="430" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-7.jpg" alt="" class="wp-image-89298"/></figure>



<p>Sanat nesnesi felsefe, psikoloji, sosyoloji başta olmak üzere farklı pek çok alanı arka planda barındıran zengin bir varlığı temsil eder. Sanatçılar çok yönlü bir düşünsel boyutu ve çok katmanlı üretim aşamaları olan disiplinlerarasılık, çok alanlılık gibi kavramlar etrafından sanat yapıtlarını şekillendirerek sanatsal anlamda da ifadelerini daha da zenginleştirmişlerdir. Sonuç olarak sanat, ifade edilişi bakımından sürekli bir değişime uğrayarak kendine yeni yaşam alanları oluşturmaya devam edecektir.</p>



<h2><strong>Müzayedeler</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/2023-sanat-trendleri-8.jpg" alt="" class="wp-image-89302"/></figure>



<p>Pandemiyle birlikte çevrimiçi satış eğilimi artarak müzayedeler&nbsp;hem Türkiye’de hem de dünyada 2022 yılına hızlı bir giriş yapmıştı. Yıl içinde çok daha kolay organize edilme imkânı taşıyan online müzayedeler, hem daha çok satış ve ciro anlamına geliyor hem de halka açık bir süreç üzerinden gerçekleştiği için sınırlı salon etkinliklerinden daha geniş bir kitleye ulaşarak, şeffaf bir piyasa oluşmasına katkıda bulunuyor. Online dünyaya taşınan bu müzayedeler 2023 yılında da varlığını koruyarak büyümeye devam edecek.</p>


2023-sanat-trendleri

Sanat Dünyasının 2023 Trendleri


<p><em>Bu yıl otuz dokuzuncusu gerçekleşen DYO Resim Ödülleri Yarışması’nın İstanbul sergisi Tophane-i Amire Kültür ve Sanat Merkezi’nde 30 Kasım tarihine kadar devam ediyor.</em></p>



<p>Yaşar Holding Yönetim Kurulu Başkanı ve Yaşar Eğitim ve Kültür Vakfı İdare Heyeti Başkan Yardımcısı Feyhan Yaşar ile DYO Resim Ödülleri Yarışması ve gelecek projeleri hakkında sohbet gerçekleştirdik.</p>



<h3><strong>Yaşar Holding ve Yaşar Eğitim ve Kültür Vakfı olarak sanata verdiğiniz bu kıymetli desteğin hikâyesini sizden dinleyebilir miyiz?</strong></h3>



<p>Sanata verdiğimiz desteği kurumsal bir yapı altında sürdürülebilirlik olarak benimsedik. Babamın etkileşimi, kuzey ülkelerinde Danimarka’da gezdiği özel müzelerdeki etkilenmesinden kaynaklanıyor. Boya dünyasının renkleri içerisindeyiz. Renk ve sanatçıyla da bu şekilde bir ilişkimiz var. Biz de aslında bu şekilde sanat yolculuğumuza başladık. Yola çıkarken jüri çok önemliydi. Değerli jüri üyeleri ve sanatçılar bu yolculukta bizlere en büyük destekti. Bu yarışmaların ilklerini yaptıktan sonra giderek talepler gelmeye başladı.</p>



<p>Önceleri aslında bu yarışmaları devlet kurumları yaparken şimdi özel sektörün de bu işe girmesiyle bizler için de sanat işimiz gibi oldu. Bu oluşum yirmi beş yıl gibi bir sürede büyüyüp geliştiği için vakfımızın bünyesine aldık.</p>



<h3><strong>Bu sene otuz dokuzuncusu gerçekleşen resim yarışma sergisini sadece İstanbul’daki sanatseverler mi izleyebilecek?</strong></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="650" height="605" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/dyo-resim-odulleri-1.jpg" alt="" class="wp-image-96133"/></figure></div>


<p>Geçen sene yarışmayı tamamlamıştık ama pandemi nedeniyle sergileme imkânımız olmamıştı. Ödüllerimizi de vermiştik ama sergimiz Türkiye’yi dolaşamamıştı. Türkiye’de sergiyi son on senedir beş altı şehirde dolaştırıyoruz. Bir kere de Romanya‘ya ve başka ülkelere de gittik. Yani aynı sergiyi ödül ve sergilenmeye değer olanları taşıyoruz.</p>



<h3><strong>Kurumunuzda bu yarışmalardan dolayı bir koleksiyonunuz oluştu mu?</strong></h3>



<p>Yıllar içerisinde ödüllerde oluşan 200-250 civarında koleksiyonumuz oluştu. Özgün baskı, yağlı boya, figüratif, seramik gibi farklı malzemeler. Çünkü her seneki jüri ekibi farklı yorumlar getirerek değişik malzemelerden yapılan sanat eserlerine de ödül vermişler. Bu özel koleksiyonu da 1985 yılında Selçuk Yaşar Müzesi diye eski bir Rum evinden dönüştürülmüş olan bir mekânda sergiledik. Şimdi de iki senedir üzerinde çalıştığımız bir müze projemiz var. Daha büyük bir sanat müzemiz olacak. İçerisinde hem halı hem arkeoloji koleksiyonumuz hem de bu eserlerden koleksiyon sergisiyle açılış yapılacak.</p>



<h3><strong>Bu yarışma devam edecek mi? Gelecek için hedeflerinizi öğrenebilir miyiz?</strong></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="650" height="547" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/dyo-resim-odulleri-2.jpg" alt="" class="wp-image-96134"/></figure></div>


<p>Sanatçıyla beraber bu projenin devamlılığını sağlamayı hedefliyoruz. Daha fazla bu projeye nasıl sanatçı katılır? Daha farklı neler yapılabilir? Bunları sağlamayı hedefliyoruz. Tüm bunlarla beraber jürinin objektif bir seçim yapması da çok kıymetli. Sonrasında eserleri sergilenen sanatçıların kariyerlerine bir fayda sağlanması bizler için çok önemli.</p>



<p>Pandemi sırasında da sanatçıların üretimlerinin çok artmış olduğunu fark ettik. 1000 adetin üzerinde eser geldi. Jüri kurulu bu sayının içerisinden seçimlerini yaptılar.</p>



<h3><strong>Yarışmalar için belirlediğiniz konseptlerde nelere dikkat ediyorsunuz?</strong></h3>



<p>Her yarışmada bir tema belirleniyor. Temayı geniş tutuyoruz. Resimden ziyade bizler için değerli olan kavramlardan seçiliyor. Dünyanın değer verdiği konuları biz de gündeme alıyoruz. Vakıfta jüri üyeleriyle yaptığımız toplantı sonucuna göre yarışmanın teması belirleniyor.</p>



<h3><strong>39 yıl süren bu yarışmalarda ne değişti? Gözlemlerinizi öğrenebilir miyiz?</strong></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="650" height="648" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/11/dyo-resim-odulleri-3.jpg" alt="" class="wp-image-96135"/></figure></div>


<p>Anadolu’da üniversitelerdeki sanat bölümlerinin çok değiştiğini ve geliştiğini söyleyebiliriz. Yarışmalara daha çok büyük şehirlerdeki üniversitelerden katılım varken şimdi Niğde, Kayseri ve Malatya şehirlerinden de katılan sanatçılar var. Sosyal medya sayesinde de izleyiciler arttı. İnternet sayesinde sanal müzeler gibi sanata erişebilirlik kolaylaştı. Seyahat etme imkânları arttı. Teknik ve akımları sanatçılar daha iyi takip ettiler. Resimlerin içerik ve boyutları da bunlara doğru orantılı olarak gelişti ve büyüdü.</p>



<p>İstanbul’da 30 Kasım 2022 tarihine dek görülebilecek olan sergiyi kaçırmayın derim. Hem genç yetenekleri keşfetmek hem de bu güzel sanat eserlerini görmek için güzel bir fırsat.&nbsp;Sergi, İstanbul sonrasında Eskişehir’de Atatürk Kültür Sanat ve Kongre Merkezi, Ankara’da Cer Modern, Mardin’de Sakıp Sabancı Kent Müzesi ve İzmir’de yeni açılacak olan Yaşar Müzesi’nde sanatseverler ile buluşacak.</p>


dyo-resim-odulleri

Feyhan Yaşar ile DYO Resim Ödülleri Yarışması Üzerine Söyleşi


<p><em>Modern sanat tarihi akımlarından İzlenimcilik akımının ilk eseri olan Claude Monet’in &#8216;Gün Doğumu&#8217; tablosunun tüm detaylarını keşfedin.</em></p>



<p>Sonbahar mevsiminin son ayı olan kasıma özel <strong><a href="https://www.oggusto.com/sanat/sanatci/claude-monet-hayati-eserleri-hakkinda-az-bilinenleri">Claude Monet</a></strong>’in <strong>&#8220;Gün Doğumu&#8221;</strong> tablosunu seçmemin iki nedeni var. Birincisi ünlü ressam Claude Monet’nin doğum gününün 14 Kasım 1840 olması ikincisi ise güzel bir sonbahar mevsimini yaşadığımız bu günlerde erken güne başlayanları ünlü ressam Monet’nin tablosunda görülen gün doğumunu izlemeye davet etmek.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="488" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/claude-monet.jpg" alt="" class="wp-image-88686"/><figcaption>Claude Monet</figcaption></figure></div>


<p>Modern sanat tarihi akımlarından İzlenimcilik akımının ilk tablosu olan &#8220;Gün Doğumu&#8221;, Monet’nin doğadaki izlenimini direkt olarak tuvale aktarmış olduğu önemli eserlerinden biridir.</p>



<p>Monet çocukluğunu ve gençliğini Fransa’nın Le Havre şehrinde geçirir. Eugene Boudin ile olan ilişkisi sayesinde Monet kendini deniz manzaraları, kırlar ve doğanın güzellikleri içinde bulur. Monet, Boudin’in onun sanatına yapmış olduğu katkıyı aşağıdaki şu sözleriyle ifade eder:</p>



<figure class="wp-block-pullquote"><blockquote><p><em>Ressam olduysam, bunu Boudin’e borçluyum. İyilikseverliğinin ölçüsü yoktu, beni eğitmeyi de iş edinmişti. Yavaş yavaş gözlerim açıldı, doğayı gerçekten anladım ve sevmeye başladım</em>.</p><cite>CLAUDE MONET</cite></blockquote></figure>



<p>Monet, &#8220;Gün Doğumu&#8221; adlı tablosunu Le Havre’de yapar. Gençlik yıllarının geçirdiği şehre 1872 yılında geri döndüğünde, limana yakın konumda bulunan otel odasının penceresinden gördüğü bulutlu sabah manzarasını betimlemeye karar verir. Limanı farklı zamanlarda ışık etkilerinde (alacakaranlık, gün doğumu, akşamüstü veya gece karanlığı) gören ressam, manzaranın içerisinde yer alan balıkçı kayıkları, direkli tekneler ve bacalarından dumanlar tüten buharlı gemilere tablosunda yer verir. Sanayi Devrimi’nin etkisinin görüldüğü resimde evlerden çok fabrikalar, buradan çıkan dumanları kapladığı sisli ve puslu atmosfer özellikle vurgulanmak istenmiştir. Koyu mavi tonlamayla gölge şeklinde tabloda yer alan balıkçı tekneleri ve içerisindeki insan figürleri suya yansıtılarak resim hareketlendirilir. Resimdeki parlak turuncu güneşin rengi ise resme canlılık kazandırır. Monet, görmüş olduğu bu manzarayı, tabloya bakan izleyiciye de aynı şekilde hissettirmek için yapmıştır.</p>



<p>&#8220;Gün Doğumu’&#8221; tablosu, 1874 yılında büyük bir skandal ile sergilenir. Çünkü bir gazeteci tablonun isminden yola çıkarak &#8220;izlenimci&#8221; kelimesini türetmiştir. Bu kelime aslında olumsuz bir anlamla yüklüdür. Gazetecinin asıl amacı Monet’yi eleştirmek ve tablonun aceleyle yapıldığını kusursuz olmadığını vurgulamaktır. Aynı zamanda bu tablo hem üslup hem de konu olarak Güzel Sanatlar Akademisi’nin geleneksel kurallarına aykırıdır. Dönemin akademik anlayışı üslup olarak geometrik, estetik bir tarzı konu olarak ise dini ve edebi konuları tercih eder. Yaşamın genel akışını sergilemek isteyen Monet ve diğer ressam arkadaşları bu sergiden sonra &#8220;İzlenimciler&#8221; ismini alırlar.</p>



<p>&nbsp;&#8220;Gün Doğumu&#8221; tablosu bugün bile bizlere Monet’nin izlenimlerini yaşatır.</p>


claude-monet-gun-dogumu-tablo-okumasi

Tablo Okumaları: Claude Monet’nin ‘Gün Doğumu’ Adlı Eseri


<p><em>Empresyonizm (İzlemcilik) akımı ve sanatçıları hakkında bilmeniz gerekenleri mercek altına aldık. Empresyonizm (İzlenimcilik) akımının başlangıcından, Empresyonizm dönemleri ve sanatçılarına tüm detayları inceleyin.&nbsp;</em></p>



<p><a href="https://oggusto.com/fotograf-galerileri/detay/440/empresyonistlerin-paris-ini-yasatan-10-eser.html" target="_blank" rel="noopener">Empresyonizm akımı</a> Paris’te 1874 yılında ünlü fotoğrafçı Nadar’ın stüdyosunda ‘Adsız Sanatçılar Birliği’ adı altında bir araya gelen otuz sanatçının dönemin resmi sergisi olan ‘Salon’ sergisine alternatif olarak açtıkları sergi ile ortaya çıkmıştır. Sergi bu ismi Claude Monet’nin ‘İzlenim, Gündoğumu’ isimli eserinden alır. Tabloda bir limanın sabah sisleri arasından görünümü resimlenmiştir. Bu eser 1985 yılında <a href="https://www.marmottan.fr/" target="_blank" rel="noopener">Marmottan-Monet Müzesi</a>’nden çalınmış, beş yıl sonra bulunmuş ve 1991 yılından itibaren yeniden sergilenmeye başlanmıştır.&nbsp;</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2019/12/empresyonizm-600x370.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Claude Monet, &#8220;İzlenim, Gündoğumu’</figcaption></figure></div>


<p>Ressamlar Paris’te 1800’lü yıllarda atölye ortamında resim yapmadan vazgeçerek yeni teknik yöntem arayışı içine girerler. Doğada konunun sürekli olarak değiştiğini ve doğanın kendine özgü anı yakalayabilmek için de renkleri hızlı vuruşlar ile tuvale geçirmek zorunda olduklarını fark eder ve ayrıntılardan çok resmin genel etkisine dikkat ederler. Resimlerinde bitmemişlik duygusu ve baştan savma görüntü döneminde eleştirmenler tarafından sıkça eleştirilir. Bu tablonun adını gülünç bulan bir eleştirmen bu sanatçılara <a href="https://www.oggusto.com/blog/detay/1801/empresyonist-sanatcilarin-paris-inde-gezinti.html" target="_blank" rel="noopener">Empresyonistler</a> (İzlenimciler) ismini verir. Eleştirmen burada aslında bu tabloların sağlam bir bilgiye dayanmadıklarını, geçici bir anın izlenimini yeterli bulduklarını belirtmek ister. Empresyonistler olarak adlandırılan bu ressamlar yeni ilkelerini yalnızca manzara resmine değil, herhangi bir günlük yaşam sahnesine de uygularlar. Böylece sanat tarihinin önemli bir akımı olan empresyonizm akımı doğar.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2019/12/empresyonizm-2-480x600.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Edouard Manet &#8211; &#8220;The Balcony&#8221;</figcaption></figure></div>


<h2><span style="font-size: 20px;"><b>Empresyonizm (İzlenimcilik) Akımı Nasıl Başladı?</b></span></h2>



<p>Fransa’da üçüncü devrim dalgası olarak adlandırılan yenilikle başlar. Bu akımın birincisi Delacroix ile ikincisi Courbet ile üçüncüsü de Manet ile ortaya çıkar.&nbsp; Manet ile ortaya çıkan akım Empresyonizm’dir.&nbsp;Edouard Manet (1832-1883) ve arkadaşları Courbet’nin görüş ve tarzını ciddi anlamda benimserler. Bu ressamların hepsi geleneksel sanata ve resimde yer etmiş alışkanlıklara tepkilidirler.&nbsp;</p>



<p>Geleneksel sanat insan ve nesneleri çok yapay koşullarda betimler. Bu zamana kadar ressamlar genel olarak modellerini resmederken pencerede giren ışıktan faydalanırlar. Modellerinde ya da nesnelerindeki hacimleri ışık ve gölge arasındaki yumuşak geçişleri kullanarak verirler. Manet tüm bu alışagelmiş sanat hareketlerini değiştirerek yumuşak gölgeleme tekniği yerine güçlü ve sert kontrastlar kullanır. Döneminde Manet’nin kullandığı bu teknik büyük bir tepkiyle karşılanır. Bu yüzden de Manet’nin eserleri Paris’te ‘Salon’ ismi verilen genel sergileme yerinde sergilenmeye layık görülmez. Manet eserlerini ‘Reddedilenler Salonu’ olarak adlandırılan jüri tarafından kabul edilmeyen eserlerin sergilendiği sergide sergilemek zorunda kalır.&nbsp;</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2019/12/empresyonizm-3-480x600.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Francisco Goya-&#8220;Balkondaki Mayalar&#8221;</figcaption></figure></div>


<p>Manet’nin esin kaynağı Giorgione Tiziano gibi büyük Venediklilerin başlattığı, İspanya’da Velazquez’in başarıyla sürdürdüğü ve 19. Yüzyılda Goya’nın ulaştırdığı muhteşem resim geleneğidir. Manet, Goya’nın resminden etkilenerek balkonda duran benzer bir topluluğu resmetmiştir. Açık havadaki parlak tonlarla odanın içerisindeki karanlık arasındaki kontrası incelemiştir.&nbsp;</p>



<p>Açık havada resmedilen yuvarlak nesneler tam gün ışığı altında bazen basit renk lekeleri gibi yassı görünürler. Manet’nin ‘Balkon’ tablosu geleneksel ressam tablolarına göre daha gerçekçi bir görünüme sahiptir. Balkonda duran insanlar adeta izleyici ile göz temasına geçer. Tabloda hissedilen diğer önemli unsur ise gerçek bir derinliktir. Bu derinliği veren ise balkon parmaklığının parlak ve çarpıcı yeşil rengidir.&nbsp;</p>



<h2><span style="font-size: 20px;"><b>Empresyonizm Dönemleri ve Sanatçıları</b></span></h2>



<p>Empresyonizm ve Post-Empresyonizm olarak iki döneme ayrılır. Empresyonizm dönemin önemli sanatçıları: Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Berthe Morisot ve Paul Cezanne. Bu sanatçılar Salon sergilerine ve akademik sanat ruhuna aykırı davranmış ve bağımsız hareket etmişlerdir.&nbsp;Emprestyonist ressamlar sadece manzara resmi değil, herhangi bir günlük yaşam sahnesini de resmetmişlerdir. Örneğin Renoir (1841-1919) 1876 yılında bir açık hava dansını betimleyen bir tablo yapmıştır.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2019/12/empresyonizm-4-600x370.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Pierre Auguste Renoir &#8211; &#8220;Bal du moulin de la galette&#8221;</figcaption></figure></div>


<p><strong>Berthe Morisot</strong>, İzlenimciler arasında yer alan tek kadın sanatçıdır. Kadınları kamusal alanda betimler ve kır, kent manzaralarıyla tanınır.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2019/12/empresyonizm-5-600x600.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Berthe Morisot &#8211; &#8220;On a Bench&#8221;</figcaption></figure></div>


<p>Diğer kadın sanatçı Amerikalı <strong>Mary Cassatt </strong>(1844-1926) ise resimlerinde kadınları özel alanlarında, çoğu kez de çocuklarıyla birlikte resimler.&nbsp;</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2019/12/empresyonizm-6.jpg" alt=""/><figcaption class="wp-element-caption">Mary Cassatt &#8211; &#8220;Young Mother Sewing&#8221;</figcaption></figure></div>


<p>Post-Empresyonizm dönemin önemli sanatçıları: Paul Cezanne, George Seurat, Paul Gauguin ve <a href="https://oggusto.com/blog/detay/2292/vincent-van-gogh-hayati-eserleri-ve-bilinmeyenleri.html" target="_blank" rel="noopener">Vincent Van Gogh</a>. Bu sanatçılar arasında Georges Seurat izlenmciliğe farklı bir boyut getirir. Bu yüzden de ‘Yeni İzlenimci’ olarak adlandırılır. Seurat, ‘bölmeci’ (divizyonist) ve ‘noktacı’ (pointilist) tekniğiyle tanınır. Divizyonizm renk etkilerinin, boyanın palet üzerinde karıştırılması yerine, optik efekt ile verildiği, küçük saf renk alanlarının tuvalin üzerinde yan yana konarak, bir rengin parlaklığının, kendisinden sonra gelen ikinci bir renkle tamamlanması tekniğidir. Noktacılık ise saf renkleri nokta nokta boyamak, renkleri izleyicinin gözünde birleştirip tek renk haline getirmek ve ışığın verdiği etkiyi ortaya çıkartmaktır.</p>



<p>Seurat’nın ‘Grand Jatte Adasında Bir Pazar Öğleden Sonra’ eseri Noktacılık ve Divizyonizm tekniğinin uygulandığı muhteşem bir eserdir. Bu eser 1984 yılında söz ve müziği Stephen Sondheim, James Lapine tarafından yazılan ‘Sunday in the Park with George’ müzikaline ilham kaynağı olmuştur.</p>



<div class="youtube-embed-wrapper" style="padding-bottom: 56.25%; padding-top: 30px; height: 0; overflow: hidden;">&nbsp;</div>


13661-kategori.jpg

Empresyonizm Akımı Hakkında Bilmeniz Gerekenler


<p><em>Yaşanılan Covid-19 süreciyle birlikte günümüzde dilimizden düşürmediğimiz bir kavram olan &#8216;dopamin&#8217;in sanat eserleriyle olan birlikteliği üzerine, sanatçı Kerem Topuz ile bir söyleşi gerçekleştirdik.</em></p>



<p>Küratörlüğünü üstlendiğim, resim, foto manipülasyon, video ve dijital sanat eserleri üreten <strong>Kerem Topuz</strong>&#8216;un <strong>&#8220;Dopaminerjik Metalar&#8221;</strong> adlı <strong>sergisi</strong>, 20 Ekim tarihinde sanatseverlerle buluşuyor. <strong>Galeri ARK</strong>&#8216;ta 14 Kasım&#8217;a kadar ziyaret edilebilecek sergi öncesinde sanatçı Kerem Topuz ile &#8216;dopamin&#8217;in sanat eserleriyle olan birlikteliği üzerine keyifli bir <strong>röportaj </strong>gerçekleştirdik.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="464" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/feride-celik.jpg" alt="" class="wp-image-85712"/><figcaption><em>Küratör Feride Çelik</em></figcaption></figure>



<figure class="wp-block-pullquote"><blockquote><p>Küratörlüğünü gerçekleştirdiğim bu serginin başlığını &#8220;Dopaminerjik Metalar&#8221; olarak belirledim. Çünkü&nbsp;araştırmalar gösteriyor ki çikolata, lüks marka ürünleri dopamin seviyesini tetikliyor ve yükseltiyor.</p><cite>FERİDE ÇELİK</cite></blockquote></figure>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/dopaminerjik-metalar-sergisi-1.jpg" alt="" class="wp-image-85713"/></figure>



<h3><strong>Bir süredir sanatınızın odak noktası olan reklam ve moda temalarını seçmenizin özel bir nedeni var mı?</strong></h3>



<p>Benim çalışmalarımın bütününü oluşturan tüketim kültürü ve bu kültürün yarattığı imgeler üzerinden anlam arayışım, ‘moda’ kavramını tekrar yorumlamama yol açtı diyebilirim. Buradan hareketle modanın en genel tanımıyla değişimi ifade ettiğini keşfettim.</p>



<p>Genellikle giyim kuşamla eş anlamlı görülmesine rağmen insana dair her alanı kapsayan bir olgu. Modern tüketim toplumlarında insanların yaşam tarzlarını, bağımlılıklarını ve sosyal statülerini yansıtan, somut bir ‘nesne’den çok soyut ve sembolik bir anlamı var. &nbsp;</p>



<p>Reklamlar aracılığıyla da geniş kitleleri etkiliyor ve kendine özgü bir medya kültürü biçimi yaratıyor.</p>



<p>Ben de bu sergide, bizim nesnelerle kurduğumuz bağımlı ilişkiyi, aşina olduğumuz markalar üzerinden irdelemek istedim. Yöntem olarak da reklamcıların kullandığı dili sanatsal olarak yorumlamayı tercih ettim.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/dopaminerjik-metalar-sergisi-2.jpg" alt="" class="wp-image-85714"/></figure>



<h3><strong>Sanat tarihi açısından bakıldığında bu temalar ne zamandan beri kullanılıyor?</strong></h3>



<p>‘Meta seyri’ aslında 18. yüzyılda sanayi devrimiyle birlikte ortaya çıkan sosyolojik bir kavram. Mağaza vitrinlerinde üretilen ürünlerin sergilenmesiyle birlikte başlıyor serüven. Ancak bunun sanatsal anlamda ilk ele alınışı 20. yüzyılda Marcel Duchamp’a uzanıyor. Duchamp, 1913’te sergilediği ‘bisiklet tekerleği’ ile nesnenin bizzat bir sanat eseri olabileceğini öne sürüyor. Hatta 1917’de sergilediği ‘Çeşme’ adını verdiği porselen bir pisuarla bu fikrini ikonikleştiriyor.</p>



<p>1950’lere gelindiğinde İngiltere’de Richard Hamilton, Amerika’da Andy Warhol ve Roy Lichtenstein gibi sanatçıların popüler kültür imgelerini benzer bir motivasyonla sunmalarıyla birlikte pop sanatı adıyla tüm dünyayı etkisi altına alıyor.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/dopaminerjik-metalar-sergisi-3.jpg" alt="" class="wp-image-85715"/></figure>



<h3><strong>Bu serginizdeki çalışmaların önceki çalışmalardan farkı nedir?</strong></h3>



<p>Kavramsal açıdan bir değişiklik olmasa da ifade biçimimde bir sadeleşmeye gittiğimi söyleyebilirim. Özellikle figür ağırlıklı çalışmalarımda daha basit ve kesin bir anlatımı tercih ettim.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/dopaminerjik-metalar-sergisi-4.jpg" alt="" class="wp-image-85716"/></figure>



<h3><strong>Serginizde yer alan iki adet NFT çalışması var. Sanat bundan sonra bu şekilde mi evrim geçirecek? Bu konuda düşüncelerinizi öğrenebilir miyiz?</strong></h3>



<p>Web sitelerinin ve uygulamaların, merkezi olmayan teknolojiler aracılığıyla bilgileri insan aklının çalışması prensibiyle işleyebileceği bir sistem olan Web 3.0 teknolojisinin yaygınlaşmasıyla, sanat çalışmalarının kaçınılmaz olarak bu yönde evirileceğini düşünüyorum.</p>



<p>Özellikle metaverse denilen kavram, yani internette var olan paralel bir sanal evren ile sadece sanatın değil tüm yaşam şekillerimizin bir evrim geçireceği kaçınılmaz bir gerçek.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/dopaminerjik-metalar-sergisi-5.jpg" alt="" class="wp-image-85718"/></figure>



<h3><strong>Zamansız olarak tanımladığınız bir sanat eseri var mı? Eğer varsa bu eser niçin zamansız?</strong></h3>



<p>Michelangelo&#8217;nun ‘David’ heykelini sanat tarihindeki yeri ve öneminden bağımsız olarak, tüm zamanlar için hayranlık uyandıracak çok güçlü bir figür olarak değerlendiriyorum.&nbsp;İnsan anatomisinin son derece ayrıntılı detaylarıyla donatılmış bu heykel, denge ve uyum açısından kusursuz denilecek bir duruşa sahip.</p>



<p>Dopaminerjik seviyenizi yükseltmek için sizleri sergiye davet ediyoruz. Sergi 14 Kasım tarihine kadar Galeri Ark’da görülebilir.</p>


kerem-topuz

Dopaminerjik Seviyesini Yükselten Sergi: “Dopaminerjik Metalar”


<p><em>Hollandalı sanatçı Piet Mondrian’ın şehir hayatının hareketli yaşantısını ve şehir trafiğini yoğun olarak hissettirdiği ünlü &#8220;Broadway Boogie Woogie&#8221; tablosunun tüm detaylarını keşfedin.</em></p>



<p>Şehir hayatının hareketli yaşantısını ve şehir trafiğini yoğun olarak hissettiğimiz bu günler bana Hollandalı sanatçı <strong><a href="https://www.oggusto.com/sanat/sanatci/piet-mondrian-hayati-eserleri-ve-bilinmeyenleri">Piet Mondrian</a></strong>’ın ünlü <strong>&#8220;Broadway Boogie Woogie&#8221; tablosunu</strong> hatırlattı. Birbirini hızla takip eden küçük renkli kareleri, trafik sıkışıklığındaki arabalara ve birbirine kesen caddelere, yollara, sokaklara benzettim.</p>



<p>Mondrian, bu eseri 1943 yılında New York şehrine taşınmasından sonra yapar. Tablodaki hareketlilik ve bölünmüşlük sanatçının yapmış olduğu diğer alıştığımız eserlerine göre farklıdır. Daha az çizgi ve renk kullandığı çalışmaların &#8220;Broadway Boogie Woogie&#8221;den farklı olmasının nedeninin mekân ve dönemden ileri geldiğini söylemek mümkündür.&nbsp;</p>



<p>Dikey ve yatay çizgiler, ana renkler, köşeli biçimler, Mondrian’ın resimlerini oluşturan ana unsurlardır. Mondrian’ın resimleri, soyut sanatın en önemli niteliklerini gösterir. Lynton ’un da ifade ettiği gibi Piet Mondrian’ın sanatı sanki ya da evvel zaman içinde gibi düşüncelere yer vermez. Her resim sadece kendisidir ve sürekli olarak şimdiki zaman içinde varlığını sürdürür.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="509" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/piet-mondrian.jpg" alt="" class="wp-image-83115"/><figcaption>Piet Mondrian</figcaption></figure></div>


<p>Resimleri onun ilgi alanı ile paralel olarak şekillenir. Örneğin bu yapıtında hem dönemin müzik türü olması hem de New York’ta popüler olmasında ötürü &#8220;Boogie Woogie&#8221;den etkilenir. Boogie-Woogie 1920’lerin sonlarında popüler hale gelen, 1870’lerde Afrikalı-Amerikalı topluluklarda geliştirilen bir blues müziği türüdür. Müziğin hareketli yapısı Mondrian’ın eserine renklerle yansır.</p>



<p>Sanatçının, 19. yy. sonlarındaki yapıtlarında natüralizm ve empresyonizm etkileri, 20. yy. başında Paris’te kaldığı yıllarda Kübizm etkileri görülür. 1930’lu yılların sonu ve 1940’lı yılların ortalarında Londra ve New York’ta zaman geçirir. Bu iki kentin, özellikle New York’un onun sanatındaki farklılığı ve değişimi önemlidir.</p>



<p>Sokakların düzeni ve müzik, onun diğer resimlerine göre daha büyük ölçüde olan Broadway Boogie Woogie’yi resmetmesinde etkili olur. Resimde boşluğun ortada arttığı, küçük renk alanlarının sağ ve solda adeta tuvalin dışına çıkmak istercesine sıkışmanın olduğu belirgin olarak görülür. Bu resim, Lynton’un da ifade ettiği gibi, &#8220;Amerika’nın büyüklüğünü, New York’un kalabalıklığını, canlılığını, trafiğin hareketliliğini, elektrik lambalarını, müziğin, cazın ritmini yansıtır gibidir. Bu resim, onun Avrupa resimlerine göre daha az kişisellik yüklüdür, ruhsal ve fiziksel anlamda insana daha uzak bir görünümdedir.&#8221;</p>



<p>Piet Mondrian acaba aynı dönemlerde İstanbul’da yaşasa sizce nasıl bir resim yapardı?</p>


piet-mondrian-broadway-boogie-woogie-tablo-okumasi

Tablo Okumaları: Piet Mondrian’ın “Broadway Boogie Woogie” Adlı Eseri


<p><em>Ressam Pablo Picasso ile George Braque öncülüğünde gelişen ve soyut denilen şeylerin aslında somut olduğunu ifade eden Kübizm sanat akımı hakkında bilinmesi gerekenleri bir araya getirdik.</em></p>



<h2><strong><span style="font-size: 20px;">Kübizm Nedir?</span></strong></h2>



<p>Kübizm, İspanyol ressam Pablo Picasso ve Fransız ressam George Braque’ın öncülüğünde 1908 yılında Paris’te gelişen bir sanat akımıdır. Bu akımın ismini koyan kişi ressam Henri Matisse olduğu söylenilse de yazıya aktaran kişi şair ve sanat eleştirmeni Guillaume Apollinaire’dir. Apollinaire, Braque’ın tablosuna ‘küçük küpler’ sözünü kullansa da kübizmin her şeyi küp küp resmetme sanatı olmadığını da ifadesine ekler.&nbsp;<a href="http://old.oggusto.com/blog/detay/2353/empresyonizm-akimi-hakkinda-bilmeniz-gerekenler.html" target="_blank" rel="noreferrer noopener">İzlenimcilik (Empresyonizm) akımında</a>&nbsp;özgür fırça darbelerine ve daha sonra&nbsp;<a href="http://old.oggusto.com/blog/detay/2411/fovizm-primitivizm-ve-disavurumculuk-akimlari-hakkinda-bilmeniz-gerekenler.html" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Fovizm akımının</a>&nbsp;canlı renk kullanımına alışmış olan izleyici, kendini birdenbire Kübizmin biçimsel yapısıyla büyük bir devrim içerisinde bulur.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto201-Pablo20Picasso-600x600.jpg" alt=""/></figure></div>


<h2><span style="font-size: 20px;"><strong>Kübizm Akımının İki Önemli Sanatçısı: Braque ve Picasso</strong></span></h2>



<p><a href="http://old.oggusto.com/blog/detay/2306/pablo-picasso-hayati-eserleri-ve-bilinmeyenleri.html" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Picasso</a>’nun bu sözleri Kübizmi keşfetmesini ve farklı sanatsal bir döneme girmiş olduğunun ifadesidir. Fovist ve Kübist sanatçılar arasında yer alan Fransız Georges Braque ile Picasso farklı yerlerde yaşayıp aynı düşünceleri paylaşırlar. 1910 yılında iş birliği yapmaya karar verirler. Ortak paylaştıkları düşünceler:</p>



<ul><li>Evren kavrayışları resmin gelişme çizgisini belirler.</li><li>Biçimi Cezanne’da ortaya konulan geometrik yapılara geri götürürür.</li><li>Soyut denilen şey aslında somuttur.</li><li>Karşıdaki masayı yalnız bize bakan yüzüyle algılarız. Aynı masaya bakış açımızı değiştirerek bakarsak algılanan yüzü de değişir.</li></ul>



<figure class="wp-block-pullquote"><blockquote><p><em><em>Soyut sanat yoktur. Her zaman işe bir şeyle başlamak gerekir. Her çeşit gerçek görüntüsü ondan sonra kaldırılabilir. Hiçbir tehlike yoktur çünkü obje düşüncesi silinmez bir iz bırakmıştır. Odur sanatçıyı kışkırtan, düşüncelerini ayağa kaldıran, coşkularını harekete geçiren, düşünceler ve coşkular ne yaparlarsa yapsınlar artık tablodan kaçamayacaklardır. Varlıkları hiç görünmemesine karşın tablonun bütünündedirler</em>.</em></p><cite>Pablo PIcasso</cite></blockquote></figure>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto202-600x600.jpg" alt=""/><figcaption><em>Picasso, The Reservoir, Horta de Ebro, Horta de San Joan, 1909&nbsp;<br>Tuval üzerine yağlı boya, 61.5&#215;51.1cm&nbsp;</em></figcaption></figure></div>


<p>Picasso bu eserinde doğduğu köy olan Horta’yı yukarıdan, uçaktan bir bakış açısıyla resmederken geometrik şekilleri kullanır. Evlerin renklerinde yörenin doğal taşları olan Terracota ve stucco’nun renkleri görülür. Resmin en alt kısmındaki yeşil boyalı kısımda suyun varlığı anlaşılır. Suyun üzerindeki kavis, köprüyü anlatırken suyun renginin tonundan zaman olarak yaz aylarında yapılmış olduğu anlaşılır. Evlerin prizmalar şeklinde üst üste dizilmesi az da olsa perspektif duygusunu izleyiciye hissettirir. &nbsp;</p>



<h3><span style="font-size: 18px;"><strong>Georges Braque, Viyadük</strong></span></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto203-480x600.jpg" alt=""/><figcaption><em>Georges Braque, The Viaduct at L’Estaque 1908<br>Tuval üzerine yağlı boya, 72.5&#215;59 cm, Georges Pompidou Center, Paris&nbsp;</em></figcaption></figure></div>


<p>Braque’ın eserinde Cezanne’nın manzaralarından ilham aldığı görülür. Daire, üçgen yarı daire, piramit şekiller evleri ve dağları temsil eder. Ağaçlar yeşil olmasına rağmen gökyüzü gibi fırça darbeleriyle resmedilir. Evlerin damlarındaki üç boyutluluk turuncu ve altın sarısı renklerle verilir. Siyah kontür ve bitirilmemişlik duygusu Fovizm akımına bir göndermedir.</p>



<h3><span style="font-size: 18px;"><strong>Picasso, Avignon’lu Kızlar</strong></span></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto204-579x600.jpg" alt=""/><figcaption><em>Picasso, Avignon’lu Kızlar, 1907<br>Tuval üzerine yağlı boya, 243.9&#215;233.7 cm, MOMA, New York</em></figcaption></figure></div>


<p>Kübizm temellerinin Picasso’nun 1907 yılında ‘Avignon’lu Kızlar’ isimli tablosuyla atmış olduğu söylenebilir. Kübizm akımında aynı görüşleri paylaşan Braque bile bu eser karşısında şaşkınlığını gizleyememiştir. Yirminci yüzyıl sanat anlayışına ters düşen çalışma, estetik güzellik kavramına aykırı olmuş, geleneksel güzel ve çirkin kavramlarına ilişkin alışılagelen kalıpları kırmış, kendi kurallarını kendi koyan bir yapıt olduğu söylenmiştir. ‘Avignon’lu Kızlar’ tablosu her ne kadar kübizmin yolunu açmış olsa da tam anlamıyla Kübist bir eser olmadığı da söylenir. Çünkü Kübist estetiğinin çok uzağında bir renkselliğe ve dışavurumculuğa sahiptir. Bazı sanat tarihçileri Picasso’nun bu eseri ürettiği döneme ‘Afro-Kübist’ ismini vermişlerdir. Picasso tabloyu yaptığı bu dönemde Batılı olmayan kültürlerin etnografik nesnelerine ilgi duyar. ‘Avignon’lu Kızlar’ tablosundaki figürlerde Afrika masklarının ve İberya heykelciklerinin deforme edilmiş hali görülür. 1907-1909 yılları arasında <strong>Picasso ile tanışan Braque da ‘Avignon’lu Kızlar’ tablosundan esinlenerek ‘Büyük Çıplak’ adlı eseri üretir.</strong></p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/BC3BCyC3BCk20C387C4B1plak-415x600.jpg" alt=""/><figcaption><em>Georges Braque, Büyük Çıplak, 1908<br>140 x 100 cm, Alex Maguy Galerie de l’Elysee Paris </em></figcaption></figure></div>


<h3><span style="font-size: 18px;"><strong>İki Sanatçının da İlham Aldığı İsim:&nbsp;Paul Cezanne</strong></span></h3>



<p>Braque da Picasso gibi o dönemde etnografik nesnelerden etkilenmiş ve onların saf ve sade hallerini tuvaline aktarma isteği duymuştur. Her iki sanatçının da etkilendiği diğer kaynak ise 1907 yılında Paris’te Sonbahar Salonun’da açılan Cezanne’ı anma sergisidir. Picasso’nun çok tanınmış sözü olan ‘Cezanne hepimizin babasıdır.’ ifadesinde de belirttiği gibi Cezanne’nın tarzını her zaman benimsemiş ve onun izinde gitmeye çalışmıştır. Cezanne’nın ‘Büyük Yıkananlar’ adlı eseriyle Picasso’nun ‘Avignonlu Kızlar’ eseri arasında da bu yüzden büyük bir benzerlik vardır.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter is-resized"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto205-600x507.jpg" alt="" width="626" height="527"/><figcaption><em>Paul Cezanne, Büyük Yıkananlar, 1898-1905,<br>Tuval üzerine yağlı boya, 210.5&#215;250.8 cm, Philadelphia Museum of Art&nbsp;</em></figcaption></figure></div>


<p>Doğayı geometrik şekillerle görmeyi tercih eden ve bu şekilde tuvale aktaran Cezanne, Picasso ve Braque’a ilham kaynağı olur.</p>



<h2><span style="font-size: 18px;"><strong>Pablo Picasso’nun Stili ve İlhamı</strong></span></h2>



<figure class="wp-block-image is-resized"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/r-6-20afrika-600x370.jpg" alt="" width="751" height="463"/></figure>



<p>Erken yaşta yeteneği fark edilen sanatçı, Velazquez ve Goya gibi usta isimlerden ilham alarak, bu sanatçıların eserlerini yorumlamıştır. Paris’e taşındığında, Matisse’in ona gösterdiği Afrika maskelerinden etkilenerek kübizm akımına yönelmiştir.</p>



<p>Picasso’nun en ünlü eserlerine ilham veren sekiz kadını yansıtan portreler ve farklı kompozisyonlu tablolar, dünyanın birçok müzesine dağılmıştır. Bu eserlerin neredeyse her ülkede izleri görülür.</p>



<figure class="wp-block-image is-resized"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/r-8-20ask-600x480.jpg" alt="" width="754" height="603"/></figure>



<figure class="wp-block-pullquote"><blockquote><p><span style="font-size: 20px;"><em>Resim yapmak, günlük tutmanın farklı biçimidir</em></span>.</p><cite><span style="font-size: 20px;">Pablo PIcasso</span></cite></blockquote></figure>



<h2><span style="font-size: 18px;"><strong>Kübizm Akımının Özellikleri</strong></span></h2>



<ul><li> Rönesans’tan miras kalan klasik resim temellerini sarsar. </li><li> Yeni bir sanat dilidir. </li><li> Nesneyi bir tek bakış açısından değil, birkaç yönden değerlendirerek resmeder. </li><li> Nesnenin birincil özelliklerini kapsamlı bicimde yansıtabilmek için onları hacimsel olarak bir düzlem üzerinde betimler. </li><li> Nesnenin birçok görünümünü aynı anda sunar. </li></ul>



<h2><span style="font-size: 18px;"><strong>Kübist Akımının Diğer Sanatçıları</strong></span></h2>



<p>Picasso ve Braque’ın yeni arayışlarıyla birlikte Kübizm 1910 yılından itibaren&nbsp;Juan Gris (1887-1927), Robert Deleunay (1885-1941), <strong>Fernand Leger</strong>, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier (1881-1946) gibi sanatçıların katılımıyla düzenlenen Salon sergilerinde yaygınlık kazanmaya başlar.</p>



<p>Picasso gibi Paris’te yaşayan bir İspanyol sanatçı olan Juan Gris, Picasso ve Braque’dan sonra en önemli kübist sanatçılardan biridir. ‘Sentetik Kübist’ natürmortlarıyla tanınmış, renkçi yaklaşımıyla dikkat çekmiştir.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto206-480x600.jpg" alt=""/><figcaption><em>Juan Gris, Still Life with Checked Tablecloth,1915,<br>Tuval üzerine yağlı boya, 116.5&#215;89.2 cm, MOMA, New York&nbsp;</em></figcaption></figure></div>


<p>Picasso ve Braque’dan farklı olarak çalışan eserleri daha fütüristik görünümlü mekanik imgeler üreten sanatçı Robert Deleunay’dır. Deleunay’ın çalışmaları ‘Orfik Kübizm’ ya da ‘Orfizm’ olarak isimlendirilir. Renk ve hareket arasındaki ilişkiyi inceleyen sanatçı resimleri daha canlı renklerle yapar. Orfizm ismini Apollinaire, Deleunay’ın eserleri için uygun bulur. Çünkü Deleunay’ın şekilleri o kadar müziği andırır ki en vahşi hayvanları bile sakinleştiren mitoloji kahramanı Orpheus’tan hareketle ‘Orfizm’ ismini verir.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2020/05/Foto207-600x600.jpg" alt=""/><figcaption><em>Robert Delaunay, Le Premier Disque (c.1912-1913)<br>Tuval üzerine yağlı boya, 134cm, Esther Grether Familensammlung (Foundation), Switzerland</em></figcaption></figure></div>

15953-kategori-1.jpg

Kübizm Sanat Akımı Hakkında Bilinmesi Gerekenler


<p><em>Her sanat akımında ve her yüzyılda farklı bir şekilde karşımıza çıkan gastronomi ve sanat ilişkisini yakından keşfedin.</em></p>



<p><strong>Sanatın gastronomi ile birlikteliğinin</strong> eski zamanlara dayandığını söylemek mümkündür. Sanat tarihinin miladı olarak kabul edilen ve hemen hemen her konuda ilham aldığımız mağara resimleri burada da yine karşımıza çıkar. Çünkü pişirmeye bağlı olarak yeme-içme faaliyetinin sanata olan etkisi üst paleolitik dönem olarak adlandırılan Buzul Çağı’nın sonlarında görülür. Buzul Çağı insanları yaşamlarını sürdürebilmek ve hayatta kalabilmek için avlanmak durumundaydı. İnsanoğlu hayvanla olan bu mücadelesini öncelikli olarak mağara duvarlarına betimleyerek hem hayvanı bir gıda nesnesine dönüştürmüş hem de bu tasvirden güç ve cesaret almıştır.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="542" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-1.jpg" alt="" class="wp-image-82388"/></figure>



<p>Yeme-içme kültürünün sanata tarihine yansıdığı diğer bilinen ilk örnekler ise kakaonun geçmişiyle ilgilidir. Kolomb öncesi Mayalarda, post klasik dönemde Yucatan yarımadasında boyanarak resmedildiği düşünülen çeşitli sahnelerde kakaonun tanrılara sunum özelliğini de öğrenmekteyiz. Dresden el yazması kitabından bir sahnede; yiyecek tanrısı K’awil’in oturur pozisyonda elindeki çömlekten kaseyi yukarı kaldırırken resmedilmiştir. Dresden Kodeksi&#8217;nden diğer birkaç sahne ise yer altı tanrısı Kisin, ölüm tanrısı Kimil ve yağmur tanrısı Chaak gibi birçok Maya tanrısının bitki veya çekirdekleri elde tutarken resmedilmesidir.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="346" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-2.jpg" alt="" class="wp-image-82391"/><figcaption><em>Kulaklarını kesen ve kanlarını kakao meyvesinin dış kabuğu içerisine akıtan tanrılar (Grivetti ve Shapiro, 2008)</em></figcaption></figure>



<p>Maya el yazması kitaplarında Chaak (Yağmur tanrısı) ve Ixık Kaab’ın (Dünya tanrıçası) evlilik törenlerinde&nbsp; kakao verildiği belirtilmektedir. Meksika&#8217;nın yüksek kesimlerinde Mikstek bölgesinde resmedilen köpüklü kakao içeceğinin evlenen taraflarca değiş tokuş edildiği ritüeller de mevcuttur. Guatemala’nın yüksek bölgelerinde çağdaş Mayalar halen bu geleneğe devam etmektedirler. Guatemala’nın Alta Verapaz bölgesinde bir halk hikâyesinde evlilik sözünün &#8220;Köpüklü çikolata&#8221; dolu bir kase ile mühürlendiği bildirilmektedir.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="396" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-3.jpg" alt="" class="wp-image-82394"/><figcaption><em>Tanrı Chaak ve Tanrıça Ixik Kaab’ın düğünü (Seawright, 2012)</em></figcaption></figure>



<p>Zaman ilerledikçe kültürler birbirini etkiler ve kakaodan elde edilen bu pahalı, lezzetli içecek dünyanın farklı ülkelerine de yolculuk yapar. Kültürün yolculuğu ise sanatçıların yorumlamalarıyla tuvallere farklı yansır.</p>



<p>İsviçreli ressam Jean-Etienne Liotard sıcak çikolata ile ilgili bir seri eser üretmiştir. Bu eserlerden bir tanesi 1754 yılında yapmış olduğu &#8220;Chocolate Girl&#8221; isimli tablodur. Burada efendisine tepsi içerisinde bir bardak su ile bir fincan sıcak çikolata götüren bir hizmetli kız betimlenir. Ressam Liotard’ın başyapıtı olarak kabul eden bu eser modern sanatçılara da ilham kaynağı olmuş ve pek çok benzeri de yapılmıştır. Hatta bu eser Hollanda asıllı çikolata üretim firması olan Drote tarafından da benzeri bir betimleme ile reklam afişi olarak kullanılmıştır.</p>



<div class="is-layout-flex wp-container-9 wp-block-columns">
<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="402" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-4.jpg" alt="" class="wp-image-82396"/><figcaption><em>Jean-Etienne Liotard,&nbsp;&#8220;Chocolate Girl&#8221;,&nbsp;1754</em></figcaption></figure>
</div>



<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="402" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-5.jpg" alt="" class="wp-image-82397"/><figcaption><em>Jan Misset,&nbsp;&#8220;Droste’s Cacao&#8221;,&nbsp;1904</em></figcaption></figure>
</div>
</div>



<p>Eser pastel tekniğiyle yapılmış olmasına rağmen renklerin dayanıklılığı ve yoğunluğu güçlü şekilde hissedilir. Ayrıca resimde nesnelerin dokuları, gümüş, cila, kumaş ve ışık yansıması pastel boyalar ile mükemmel olarak verilmiştir. Hizmetli kızın önlüğündeki ve başındaki Bohem tarzındaki bonesinden onun önemli bir soylu için çalıştığı ve bu tepsiyi de sabah efendisine götürdüğü anlaşılır. Bu soylu kişi Avrupa’nın çeşitli ülkelerini yönetmiş hanedan üyelerinden biri olan Maria Theresa’dır. Theresa 1740 yılından ölüm tarihi 1780 yılına kadar Habsburg Hanedanlığı&#8217;nı idare etmiştir. Bu resim Therasa’nın kutsal kimliğine atıfta bulunurken, Japon tepsi üzerindeki kırmızı, mavi ve altın renklerde yapılmış Hint çiçek motifleri ve fincanın etrafındaki gümüş kılıfı da zenginliğe gönderme yapar. Ayrıca çikolata sabah içeceği olan kahvenin iki katı daha pahalı ve kıymetlidir. Tabloya çok dikkatli ve ayrıntılı&nbsp;bakılırsa diğer önemli bir detay ise su bardağının üzerine pencereden gelen ışık yansımasıdır ki bize çikolatanın sabah servis edildiğine dair bir ipucu verir.</p>



<p>Çikolata hem kutsallığı hem de tok tutma özelliğinden ötürü Katolik kiliselerinde oruç günlerinde ikram edilen bir içecektir.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="438" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-6.jpg" alt="" class="wp-image-82402"/><figcaption><em>Giuseppe Bonito,&nbsp;&#8220;Infanta Maria Josefa of Spain&#8221;, 1759</em></figcaption></figure></div>


<p>Kolomb’un sayesinde önce İspanyollar ve Portekizliler, daha sonra da Hollandalılar kakao ve çikolata ile tanışır, sonrasında da çikolata alışkanlığı tüm Avrupa’ya yayılır. İspanyol aristokrat aileler lezzetlendirmek için içerisine şeker, süt karıştırır, bu sıra dışılık İspanyol ressamların tuvallerine de yansır. İspanyol kralı III. Charles’ın kızı Maria Josefa tabloda süs köpeği ve çikolata fincanı ile betimlenmiştir.&nbsp; Fincanın deseni, içeceği ve köpeği ile tüm tablo alışılmamışlık çağrıştırır.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="502" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-7.jpg" alt="" class="wp-image-82404"/><figcaption><em>Pietro Longhi,&nbsp;&#8220;Morning Chocolate&#8221;, 1775-1780</em></figcaption></figure></div>


<p>Çikolatanın bir sabah ritüeli haline dönüşmesi ve aristokratlar tarafından içilmesi yine Venedikli ressam Pietro Longhi’nin tuvaline &#8220;Morning Chocolate&#8221; olarak yansır. Tabloda aristokrat aile bireyleri toplanmış, şık bir sunum eşliğinde yanında tatlı yiyeceklerle birlikte sıcak çikolatalarını yudumlayarak sosyalleşmektedirler.</p>



<p>Sanat tarihinin ilerleyen dönemlerinde de çikolata teması popülerliğini korumuş ve toplumların değişim gösteren alışkanlıklarına bağlı olarak ressamların tuvallerine yansımıştır.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="503" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-8.jpg" alt="" class="wp-image-82409"/><figcaption><em>Pierre-Auguste Renoir,&nbsp;&#8220;The Cup of Chocolate&#8221;, 1878</em></figcaption></figure></div>


<p>Fransız izlenimci ressamlardan gündelik Paris yaşantısını resimlerine konu olan Renoir, 1878 yılında yapmış olduğu &#8220;The Cup of Chocolate&#8221; isimli eserinde çikolata içen bir hanımı resmeder.&nbsp;Bu resmi diğer öncülerinden ayıran en önemli özelliği çikolatanın artık sadece aristokrat, soylu ailelerin içtiği bir içecek olmadığı, burjuva ailelerinin de buna erişebildiğini göstermesidir.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="567" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-9.jpg" alt="" class="wp-image-82411"/><figcaption><em>Edouard Manet, &#8220;Kırda Öğle Yemeği&#8221;, 1863</em></figcaption></figure>



<p>Empresyonizm fotoğraf makinesinin icadıyla anlık görüntülerin resmedildiği bir dönem olmasından ötürü yeme-içme temaları da sıklıkla işlenmiştir. Örneğin ünlü empresyonist ressamlardan Edouard Manet’nin &#8220;Kırda Öğle Yemeği&#8221; adlı çalışması, döneme yönelik eleştirisel bir yaklaşıma sahip olmasının yanı sıra resmin sol alt köşesinde yer alan natürmort eklentisiyle de dikkatleri çeker.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="558" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-10.jpg" alt="" class="wp-image-82414"/><figcaption><em>Claude Monet, &#8220;Grass’ta Öğle Yemeği&#8221;, 1866</em></figcaption></figure></div>


<p>Dönemin diğer önemli ressamlarından olan Claude Monet de benzer içerikli çalışmalar yapar. Kahvaltı-piknik temalı eserlere natürmort eklentisi yapılarak hiyerarşik düzen kırılmaya çalışılır. Natürmort‘un arkasında yer alan figürlerle seyirciyle yeniden bir bağ kurulur.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="512" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-11.jpg" alt="" class="wp-image-82417"/><figcaption><em>Paul Cezanne, &#8220;Elmalar&#8221;, 1878-1879</em></figcaption></figure>



<p>Natürmort olarak sanat ve yeme-içme kültürüyle devam edersek kübizm akımının öncüsü Paul Cezanne akla gelir. Sanatçı &#8220;Bir elmayla Paris’i şaşırtmak istiyorum&#8221; der.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="438" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-12.jpg" alt="" class="wp-image-82419"/><figcaption><em>Andy Warhol, &#8220;Campbell Soup Cans&#8221;, 196</em></figcaption></figure>



<p>Yeme-içme teması 20. yüzyılın ikinci yarısından sonra özellikle de Pop Art Sanat Akımı ile değişmeye başlar. Pop Art, 1950-1960’lı yıllarda her ne kadar önce İngiltere’de ortaya çıksa da dünyanın sanat merkezi olan Amerika’da tanınarak popüler hale gelir. Ünlü Amerikalı Pop Art sanatçısı Andy Warhol’un serigrafi çalışması &#8220;Çorba Konserveleri&#8221; dönemin en simgesel eserlerinden biridir.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="528" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-13.jpg" alt="" class="wp-image-82422"/><figcaption><em>Daniel Spoerri</em></figcaption></figure>



<p>Hem Pop Art hem de kavramsal sanatın çeşitli özelliklerini bünyesinde barındıran Yeni Gerçekçilik akımının ünlü sanatçılarından Daniel Spoerri yeme-içme anlatımını farklı bir düzeye taşır. Dadaizm akımından esinlenen sanatçının çalışmalarında hazır nesneler kullanır.</p>



<div class="is-layout-flex wp-container-12 wp-block-columns">
<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="427" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-14.jpg" alt="" class="wp-image-82425"/><figcaption><em> Maurizzo Cattelan, &#8220;Duvara Asılmış Bantlı Muz&#8221;, 2019</em></figcaption></figure>
</div>



<div class="is-layout-flow wp-block-column">
<figure class="wp-block-image size-full is-resized"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/gastronomi-sanat-iliskisi-15.jpg" alt="" class="wp-image-82426" width="402" height="235"/><figcaption><em>David Datuma, &#8220;Aç Sanatçı&#8221;, 2019</em></figcaption></figure>
</div>
</div>



<p>Günümüze geldiğimizde ise İtalyan sanatçı Maurizzo Cattelan’ın &#8220;Duvara Asılmış Bantlı Muz&#8221; isimli çalışması ise bir yeme-içme nesnesinin sansasyonel bir çalışmaya konu olduğu en son örneklerden birisidir. 2019 yılında Miami Art Basel’de sergilenen bu çalışma duvara gri bir bantla yerleştirilir ve sonrasında da bir performansa dönüşür. Sergi sırasında David Datuma isimli performans sanatçısı tarafından &#8220;Aç Sanatçı&#8221; adını verdiği bir performansla yerinden alınarak yenir. Kölelik, cinsellik, evrim ve konfor gibi farklı değerleri anlatan bu çalışma gerçekten tüm dikkatleri üzerine çekmiştir.</p>



<p>Sanat ile gastronominin birlikteliği her sanat akımında ve her yüzyılda farklı bir şekilde karşımıza çıkar. Büyük bir endüstriye dönüşen gastronominin bundan sonra da çağdaş sanatı etkilemeye devam edeceği aşikardır.</p>


gastronomi-sanat-iliskisi-kapak

Gastronominin Sanat Üzerindeki Etkisi


<p><em>Nakış ile sanatı buluşturan sanatçı Fırat Neziroğlu ile farklı disiplinlerin sanatla olan birlikteliklerini ve dokumanın sanata nasıl dahil olduğuna dair keyifli bir röportaj gerçekleştirdik.</em></p>



<p>Bodrum Zai’deki kişisel sergisinin ardından Contemporary İstanbul Fuarı&#8217;nda da nakış ile sanatı buluşturan değerli sanatçımız <strong>Fırat Neziroğlu</strong> ile farklı disiplinlerin sanatla olan birlikteliklerini ve dokumanın sanata nasıl dahil olduğunu konuştuk.</p>



<h3><strong>Son serginiz bu sefer farklı bir şehirdeydi. Bodrum’da sanatseverlerin ilgisi nasıldı?</strong></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="650" height="592" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/sanatci-roportajlari-firat-neziroglu-1.jpg" alt="" class="wp-image-79638"/></figure></div>


<p>Bodrum&#8217;u çok sevdim. Özellikle Zai Yaşam eserlerimle bağ kuran bir mekân oldu. Gözlerimi kapatıp içimdeki denize döndüğüm yeni dönemimin ilk kişisel sergisi yine denizle eş bir şehirde olunca izleyiciler, mekan ve eserler arasında daha da sıkı bir bağ kuruldu.</p>



<h3><strong>Genellikle sergi temalarınıza uygun olarak ip türlerine göre yaptığınız dokumalar da farklılık gösteriyor. Son serginizde de mekân ve tema kullanmış olduğunuz malzemeyi etkiledi mi?</strong></h3>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/sanatci-roportajlari-firat-neziroglu-2.jpg" alt="" class="wp-image-79639"/></figure>



<p>Bu sorunuz beni çok mutlu etti çünkü her iş / eser sonunda bir çöp. Bunu duygusal bağlamda söylemiyorum ancak her üretim doğaya bir müdahale. Bizler de bu müdahale tarzımıza çok dikkat etmeliyiz. Ben genelde fabrikaların artan ipliklerini kullanıyorum. Ama bu sergide hali hazırda denizden söz ediyorken denizleri ne kadar kirlettiğimizi de unutmamak gerekir. Ben de bu sergimde kullandığım tüm malzemeleri geri dönüşüm iplikler kullanarak dokudum. Türkiye&#8217;nin tekstil atıkları ve fazlalıkları Uşak&#8217;ta toplanıyor. Uşak’ta elyaf haline getirilen bu tekstilleri yeniden iplik haline getiriyoruz. Ben de dokumalarımda bu iplikleri kullandım.</p>



<h3><strong>‘İçimizdeki Deniz’ isimli serginiz duyularımıza hitap etti. Burada görmenin yanı sıra dokunma, koku ve de performans ile duymayı da işin içine soktunuz. Duyuların işin içine girmesi sanat izleyicilerini nasıl etkiledi?</strong></h3>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/sanatci-roportajlari-firat-neziroglu-3.jpg" alt="" class="wp-image-79640"/></figure>



<p>Sanal dünya bizi öylesine bir büyüyle etkiliyor ki artık gerçek yaşamı çok da çekici bulmayan hatrı sayılır kitleler var. Ben en eski saatlerden birini uygulayan bir sanatçı olarak yaşamın kedisini neredeyse hiç tasarlamadan gördüğüm şekilde yansıtıyorum. Dokunmayı, hareketi, devinim ve dönüşümü KOKU ile destekliyorum. Artık dokumalarımın birer kokusu var. Bodrumdaki sergim için suyun içine daldım ve dans ettim. Suyun içindeki hareketim ve hareket sırasında ve sonrasında suyun eşliği işe yeni formlar keşfettim. Bunu da bir video performans ile sergiledim. Ayrıca sergi alanını kaplayan bir de deniz kokusu tasarladık Cabir Çobanoğlu ile. Koku müzik gibi. Belki de bu benzerlik yüzünden ikisi de notaları kullanıyor.</p>



<p>Dokunamıyoruz hissediyoruz, hatırlıyoruz. İzleyicilerle kurduğum bağ çok daha derinleşiyor bu yüzden.</p>



<h3><strong>Bir tek tat duyusu yoktu. Gelecek projelerinizde tat duyusu da acaba sergilerinizde yer alır mı? Ne dersiniz?</strong></h3>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full"><img decoding="async" width="433" height="650" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/sanatci-roportajlari-firat-neziroglu-4.jpg" alt="" class="wp-image-79641"/></figure></div>


<p>Çok değerli Şef Mehmet Yalçınkaya ile iş birliklerimiz ve eğitimlerimiz oluyor. Kendisi çok kıymetli bilgiler veriyor. Birlikte food styling konusunda yan yana duruyoruz. Mutlaka gelecekte verilecek ve eserlerime katkı sağlayacak. Ama ben de henüz neler olacak kestiremiyorum.</p>



<h3><strong>Geleneksel dokuma kültürümüze bambaşka bir pencere açtınız. Sanat ve zanaatı mükemmel bir şekilde buluşturdunuz. Tüm bunlar aslında Türk kültür ve sanatı açısından çok kıymetli. Bir rol model olarak başka sizin gibi örnekleri çıktı mı, çıkıyor mu ya da çıkacak mı? Ne düşünüyorsunuz? Ya da bu konuda başka neler yapılmalıdır?</strong></h3>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/10/sanatci-roportajlari-firat-neziroglu-5.jpg" alt="" class="wp-image-79642"/></figure>



<p>Dokuma ve tekstilin galerilerde çağdaş sanat içinde hangi şekilde sergileneceği bilinmiyordu ve Fiber Art (Lif Sanatı) başlığıyla sergiler açılıyordu. &#8220;Lif Sanatı&#8221; terimini Türk eğitim literatürüne hediye eden rahmetli hocam Suhandan Özay&#8217;ı anmadan olmaz. Bir de çok kıymetli Belkıs Balpınar. Bu iki kocaman dev izinde yürüyorum yıllardır. Başladığım zamanlarda eserlerimi çerçeveye aldığımda “Resim mi &#8211; değil, heykel mi &#8211; değil, bu nedir, nasıl sergileyeceğiz” diyen galeriler artık tekstili resim ya da heykel gibi okunabilen birer medyum olarak kabul ediyorlar.</p>



<p>Artık tekstil tekniği ile çok güzel işler yapan sanatçılar var. Dokuma biraz daha özel kalıyor. Üniversitede okuyan öğrenciler tekniğimi uyguluyorlar. Hakkımda Kanada’da ve Türkiye&#8217;de yazılan toplam 3 yüksek lisans tezi var. Yani akademik olarak literatürde olan bu tekniği uygulayan öğrencilere hep aynı şeyi söylüyorum.</p>



<p>Öğretmenlerim bana kendileri gibi dokumayı öğretmediler. En çok bu yüzden ben de Suhandan Özay ve Belkıs Balpınar gibi kendi sanat dilimle tanınıyorum. Ben de tekniğimi uygulayan tüm öğrencilerime bu tekniği ve Anadolu dokuma tekniklerini kendi dillerini bulmak yolunda birer adım olarak görmelerini öneriyorum.</p>


firat-neziroglu-fotograf

Sanatçı Sohbetleri: Fırat Neziroğlu


<p><em>Pandemiden sonra tekrardan sanatseverlerle buluşan 17. İstanbul Bienali hakkında bilmeniz gerekenleri keşfedin.</em></p>



<p>Pandemi nedeniyle uzunca bir süre ara verdiğimiz <strong>İstanbul Bienali</strong>’ne nihayet kavuştuk. Sımsıcak sloganıyla bizi karşılayan ve Koç Holding desteğiyle davetlisi olduğumuz bu güzel sanat etkinliği 17 Eylül-20 Kasım tarihleri arasında gerçekleşiyor.</p>



<h2><strong>Şehrin dört bir yanında sanatseverlerle buluşuyor</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-1.jpg" alt="" class="wp-image-75188"/></figure>



<p>Küratörlüğünü Ute Meta Bauer, Amar Kanwar ve David Teh’in üstlendiği 17. İstanbul Bienali’nde, 500’ün üzerinde katılımcı ve 50’yi aşkın proje yer alıyor. Bienal katılımcıları arasında sanatçı, düşünür, yazar,şair, araştırmacı, mimar, radyo programcısı, balıkçı, aktivist, stand-up komedyeni, şef, etnomüzikolog, ornitolog, deniz bilimci, kukla ustası ve müzisyenler de bulunuyor. Bienal, Beyoğlu, Fatih, Kadıköy ve Zeytinburnu’nda yer alan 12 sergi mekânının yanı sıra, şehrin dört bir yanında sayıları 50’yi aşan sahaf, kitapçı, lokanta, sinema ve hastanelere ek olarak bir radyo istasyonunda izleyiciyle buluşuyor.</p>



<h2><strong>Farklı coğrafyalardan çeşitli disiplinlerdeki katılımcılar bir araya geliyor</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="486" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-2.jpg" alt="" class="wp-image-75189"/></figure>



<p>17. İstanbul Bienali, farklı coğrafyalarda, benzer konular üzerine düşünen ve üreten, çeşitli disiplinlerdeki katılımcıları bir araya getiriyor. Her biri uzun vadeli araştırmalar sonucu ortaya çıkan iş birliği temelli projelerin izleyicilere sunulduğu bienal, birlikte vakit geçirmek, düşünmek, konuşmak, dinlemek, okumak, izlemek, sorular sormak ve sorulara cevap aramak için bir davet niteliği taşıyor.</p>



<h2><strong>Tarımdaki &#8220;kompost&#8221; kavramından ilham alınıyor</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-3.jpg" alt="" class="wp-image-75190"/></figure>



<p>Bu seneki bienal için çalışılmaya 2020 tarihinde başlanılmış, çünkü bildiğiniz gibi her şey normal bir zamanlamayla gitseydi 17.&nbsp; İstanbul Bienali 2021 tarihinde gerçekleşecekti. Bunun üzerine sanat ekosistemi içerisinde global bir düşünceyle dünya üzerinde gerçekleşen büyük bir sanatçı dayanışma programı çerçevesinde bienal hazırlıkları başlatılmış. Bu uzun soluklu süreçte tarımdaki &#8220;kompost&#8221; kavramından da ilham alınıyor. Yararlı atık malzemeleri biriktirerek toprağa kazandırılan işlem, sanat dünyasında kurumsal dayanışma sonucunda ortaya çıkan araştırmaların insanlığa verilmesiyle benzerlik taşıyor.</p>



<h2><strong>Sonuç odaklı değil süreç odaklı bienal</strong></h2>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-4.jpg" alt="" class="wp-image-75194"/></figure>



<p>Önceki bienallerden farklı olarak bu sefer sonuç odaklı değil, süreç odaklı bir bienalle karşı karşıyayız. Yani alışılagelmiş yerleştirmeler, heykeller, tablolar yerine haber dolaşımı için kullanılabilecek alternatif araçlar, öğrenme yolları, arşivleme gelenekleri, insanların dünya üzerindeki etkileri, duyuların iç içe geçtiği deneyimler ve çok eski zamanlardan kalma uygulamaların bugüne nasıl taşınabileceği üzerine sorular sorabileceğimiz bir ortamla buluşuyoruz.</p>



<h2><strong>Tarihi mekanların kapıları açılıyor</strong></h2>



<p>Bienalleri diğer sanat etkinliklerinden farklı kılan şey mekanlardır. Bugüne kadar şehirde görmediğiniz ya da gitmeyi hiç düşünmediğiniz bazen de acaba içerisinde ne var diye merak uyandıran tarihi binaları bienal süresince ziyaret etme imkânı bulabiliyorsunuz. 17. İstanbul Bienali kapsamında da iki hamamı ve şu anda faaliyet göstermeyen tarihi bir okul sanat alanı olarak kullanılıyor.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-5.jpg" alt="" class="wp-image-75257"/></figure>



<p>The Çinili Hamam, Fatih’in Zeyrek semtinde bulunan hamam, Osmanlı hamam mimarisinin en önemli örneklerinden birisidir. 1540-1546 yılları arasında, Kaptan-ı Derya Barbaros Hayrettin Paşa tarafından Mimar Sinan’a ısmarlanan yapı, Sinan’ın bilinen en erken dönemli hamamları arasındadır. 18. Yüzyılda bölgede yaşanan depremler ve yangınlar sonrasında hamamın duvarlarını kaplayan ayırt edici mavi-beyaz İznik çinileri tahrip olmuş ve Parisli bir antikacı tarafından satılarak Avrupa’nın en önemli müzelerinin koleksiyonlarında yerini almıştır. Bu çiniler halen hamamın erkek kısmının sıcaklık bölümünde görülebiliyor. Tarihine ve dokusuna hayran olduğunuz bu yapı sizi bir ses enstalasyonuyla karşılıyor. Renato Leotta’nın ‘’Konçertino’’su Akdeniz’in endemik bir su bitkisi olan su eriştesinden ilham alıyor. Sanatçının çeşitli sualtı bölgelerinden topladığı yaprak numunelerinden bir kütüphaneden yola çıkan çok kanallı, çok enstrümanlı yerleştirme ekosistemin sağlık durumunun canlı bir göstergesi sayılan bu bitkinin notaya dökülmüş kayıtlarına dayalı bir besteyle arşiv malzemelerini bir araya getiriyor.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-6.jpg" alt="" class="wp-image-75258"/></figure>



<p>Küçük Mustafa Paşa Hamamı, Haliç’in karşı kıyısında, Fatih mahallesinde bulunur. 1477 yılında inşa edilen hamam, İstanbul’un en eski hamamlarından biridir. 1990’lı yılların ortalarından beri kullanılmayan hamam 2015 yılında da yine İstanbul Bienali’ne ev sahipliği yapmıştır. Bu mekânda da bir ses enstalasyonuyla karşılaşıyoruz. Ses sanatçısı ve besteci olan Tarek Atoui’nin iki yapıtıyla karşılaşıyoruz. ‘’Suların Tanığı’’ isimli çalışmasında buluntu nesnelerin maddeselliğini kullanarak dünyanın dört bir yanında, kent içindeki rıhtımların sesleri inceliyor, kaydediyor ve izleyiciye aktarıyor. ‘’Fısıldayanlar’’ serisinin bir parçası olan ‘’Fısıldayan Oyun Alanı’’ ise Atoui’nin bir çocuk yuvasındaki eğitim pratiklerine, ses algılarına ve ses oyunlarına başvurarak yürüttüğü çalışmalardan oluşuyor.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-7.jpg" alt="" class="wp-image-75260"/></figure>



<p>Merkez Rum Lisesi ise 19. yüzyılın sonunda mimar Dimitrios Panayiotides tarafından inşa ediliyor. Yoksul kız çocuklarının eğitim alabilmesi için kurulan okul 1999’da yeterli öğrenci olmadığı için kapanıyor. Okulda bir dönem kullanılan araç, gereçler ve haritalar halen muhafaza ediliyor. Okulun içerisinde ‘’İtaatsizlik Arşivi’’ Marco Scotini isimli küratör ve sanat kuramcısının sanatsal pratikler ile siyasi eylem arasındaki ilişkiye yoğunlaşan, çok evreli, gezici ve sürekli gelişen bir video arşivi ve platformu.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-8.jpg" alt="" class="wp-image-75262"/></figure>



<p>Tarihi binaların dışında bienal mekânı olarak günümüzde de sanatsal faaliyetlerini sürdüren mekanlar var. Beyoğlu’nda, bienalin film ve kamusal programlarına da ev sahipliği yapacak Suna ve İnan Kıraç Vakfı Pera Müzesi’yle birlikte uluslararası performans sanatı platformu Performistanbul Canlı Sanat Araştırma Alanı (PCSAA), SAHA’nın sanatçı, küratör ve yazarları desteklemek amacıyla başlattığı SAHA Studio, farklı disiplinlerden güncel sanatçıların sergilerine, seminerlere ve atölyelere ev sahipliği yapan Büyükdere35 ile Taksim Gezi Parkı’nın altında yer alan, 257 metre uzunluğundaki Metro İstanbul Yaklaşım Tüneli Taksim bir yürüyüş rotası oluşturacak. </p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-9.jpg" alt="" class="wp-image-75263"/></figure>



<p>Tarihi Fatih ilçesinde yer alan diğer mekân ise bu yıl ilk kez bienal ziyaretçilerine açılıyor. Uzun yıllar boyunca hat ve cilt sanatçısı Emin Barın’ın stüdyosu olan Barın Han. Kadıköy’de, İstanbul’un 130 yıllık bir geçmişe sahip endüstriyel miraslarından, 2021’de bir müze ve ortak alan olarak kazandırılarak, sergi ve müze mekânları, sahneleri, kütüphaneleriyle gençlere yirmi dört saat açık bir çalışma ve etkinlik alanı sunan Müze Gazhane ile savaş̧ yüzünden yerinden edilmiş̧ sanatçılar tarafından Yeldeğirmeni’nde kurulan arthereistanbul bienal ziyaretçilerini bekliyor. Zeytinburnu’nda ise 14 dönümlük bir arazi üzerine kurulu Zeytinburnu Tıbbi Bitkiler Bahçesi, bienal süresince sergilenen eserlerle birlikte çeşitli performanslara da ev sahipliği yapacak.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="487" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/istanbul-bienali-10.jpg" alt="" class="wp-image-75264"/></figure>



<p>Bu mekanlar arasında yer alan Büyükdere35’de ‘’Cooking Sections’’ yaşadığımız dönemin önemli çevresel meselelerini irdeleyip, ele alırken bir yöntem olarak yiyecekleri kullanıyor. İstanbul’daki sulak alanda yaşayan mandaların etkileşimlerinin izlerini süren ‘’Çamuralem’’ mekân özgü bir yerleştirmeyle yer alıyor. Mekânda bu iş için kurulan muhallebicide canlıların beslenme ve büyüme biçimlerine dair araştırmalar, farklı malzemeler, tadım ve seslerle sunuluyor.</p>



<p>Süreç odaklı olarak tanımladığımız 17. İstanbul Bienali sanat izleyicisine bambaşka bir bakış açısı sunacağa benziyor. İnsanların dünya üzerindeki etkileri, duyuların iç içe geçtiği deneyimler ve çok eski zamanlardan kalma uygulamaların bugüne nasıl taşınabileceği gibi.</p>



<p>Şimdiden herkese keyifli seyirler!</p>


istanbul-bienali-kapak

17. İstanbul Bienali: Sanatla Değiş, Dünyayı Dönüştür


<p><em>Pablo Picasso&#8217;nun turuncu tonlar ve beş kadının durgun bakışları ile sonbahar mevsimini anımsattığı &#8220;Avignonlu Kızlar&#8221; adlı tablosunun tüm detaylarını keşfedin.</em></p>



<p>&#8220;Avignonlu Kızlar&#8221; gerek renkleriyle gerekse figürleriyle adeta sonbahar mevsimini anımsatır. Turuncu tonları mevsimin değiştiğini haber ederken, beş kadının durgun bakışları da sonbaharın hüznünü bizlere hatırlatır.</p>



<p>Orijinal ismiyle &#8220;Les Demoiselles de Avignon&#8221;, sıra dışı İspanyol ressam Pablo Picasso’nun en çok ses getiren ve aynı zamanda da en çok eleştiri alan tablolarından biridir. Döneminde genelev kadınlarını cesaretle betimlemesinden ötürü herkeste şok etkisi yaratan bu çalışma, tüm sivri uçlu okları da Picasso’ya yönlendirmiştir. Aslında sanatçı bu eseri üretirken hiç olmadığı kadar aşırı duygusal davranmış, kendi korkularıyla birlikte beş genelev kadınının duygu ve düşüncelerini de izleyiciye aktarmak istemiştir.</p>


<div class="wp-block-image">
<figure class="aligncenter size-full is-resized"><img decoding="async" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/pablo-picasso.jpg" alt="" class="wp-image-68043" width="371" height="488"/><figcaption>Pablo Picasso</figcaption></figure></div>


<p>Picasso, resminin ismini ilk olarak &#8220;Genelev&#8221; olarak belirler fakat sanat eleştirmenleri ve tarihçileri tarafından uygun bulunmadığından isim &#8220;Avignonlu Kızlar&#8221; olarak değiştirilir. Bu değişiklik ünlü ressamı rahatsız eder, çünkü bir sokak isminin belirtilmesiyle o yerin saygınlığının kaybolabileceğini düşünür. Aynı zamanda buradaki betimlenen karakterlerin yer ve mekânla ilişki kurulmaması gerektiğinin bu figürlerinin tamamıyla hayali kadınlar olduğunun altını da çizmek ister. Picasso’nun çalışmasında insana dimdik bakan beş devasa fahişe karşısında izleyici bir bakıma müşteri durumuna sokulmak istenir.</p>



<figure class="wp-block-image size-full"><img decoding="async" width="730" height="265" src="https://wp.oggusto.com/wp-content/uploads/2022/09/pablo-picasso-avignonlu-kizlar-tablo-okumasi-2.jpg" alt="" class="wp-image-68042"/></figure>



<p>Resimdeki diğer önemli ayrıntılar maske, kırılganlık ve bozulmuşluk hissidir. Ressam Matisse’in etkisiyle etnografya müzelerine yaptığı ziyaretler sonucunda Picasso, Afrika maskeleriyle tanışır. Afrika o dönem için Ortaçağ Avrupa’sında tepki duyulan bir topluluktur. Dönemin hastalığı olan frenginin bile Afrika’dan geldiği düşünülür. Frenginin ilk bulaşabileceği tehlikesini Picasso bu tabloyu yaptığı sırada hisseder. Malum kadınlara düşkünlüğü ile bilinen ressam, genelevdeki kadınlardan frengi hastalığını almış olabileceğini düşünerek aşırı bir korkuya kapılır. Beş kadın karakterden bazılarına Afrika maskesi giydirerek onları frengi hastalığıyla özdeşleştirir.</p>



<p>Bu korkunç, edepsiz ve hatta iğrenç sıfatlarına layık görülmüş &#8220;Avignonlu Kızlar&#8221; eseri aynı zamanda modern sanat tarihinin öncü tablosu olma özelliğini de sahip olmuştur.</p>



<p>Büyük ebatlı bu eseri New York’a gittiğiniz zaman mutlaka <a href="https://www.moma.org/">MOMA</a>’da görmeyi unutmayın. Picasso’nun korkularını ifade eden bu beş genelev kadını hakkında bakalım sizler ne düşüneceksiniz?</p>


pablo-picasso-avignonlu-kizlar-tablo-okumasi-768×614

Tablo Okumaları: Pablo Picasso’nun “Avignonlu Kızlar” Adlı Eseri

Feride Çelik Tarafından Hazırlandı